viernes, 22 de noviembre de 2019

LOS FELICES AÑOS VEINTE EN EL CINE. (SEGUNDA PARTE)

L U I S     B U Ñ U E L
P O L A   N E G R I
R O D O L F O      V A L E N T I N O
LOS FELICES AÑOS VEINTE EN EL CINE (SEGUNDA PARTE)



     Mientras tanto, BUSTER KEATON  era admirado y querido por el público, pero de la crítica sólo conseguía las migajas que dejaba CHAPLIN. Pasó al Cine por casualidad, invitado por ROSCOE (FATTY) ARBUCKLE, (siendo conocido como "Pamplinas"), en 1920, con "The Saphead". Tras una serie de películas en las que se diferencia de CHAPLIN a causa de su fatalismo y de que su sociedad es activamente hostil sin  ningún motivo real, realizará la película con trenes más divertida con "El Maquinista de la General", en 1926. "College" sería la más importante de sus producciones y entrará en decadencia tras "The Cameran" (1928) y "Spite mariage" (1929), quedando evidenciado el desgaste de su creatividad e imaginación.

    El tercer payaso de los grandes del Cine Mudo y el segundo mejor de ellos, sería HAROLD LLOYD, (de famosísimas gafas sin cristales), con  gran fascinación hacia el cine desde antes de cumplir veinte años. Pródigo en recursos cómicos, ("gags")  presentaba una apariencia suave y sus gafas desmentían su habilidad para burlarse de la autoridad y de las personas que le rodeaban.  Disfrutaba de tan gran éxito de público, que ello le estimuló para añadir un tercer rollo a sus películas. Films como "El Hombre Mosca" (1923), "Casado y con suegra" (1924) y "El Tenorio tímido", del mismo año, así como "El estudiante novato" y "El Hermanito" (1928), además de ser muy características de su hacer, le mostrarían  - sobre todo las últimas - como un cómico de ideas victorianas. Todo ello sin olvidar que en  1927, habian aparecido STAN LAUREL y OLIVER HARDY, como "El Gordo y El Flaco".

    Un caso aparte, por tratarse de un productor de Cine, sería VON STROHEIM, que, nacido en Viena, llega a USA en 1906 . Los críticos enseguida lo ensalzarán y "Los amores de un príncipe" (1923) y "Gred" (Avaricia), del 24, le conferirian una estimable reputación como realista, aunque fuera fundamentalmente un romántico. En 1925 realiza "La Viuda alegre", tomada de la opereta, elongada por la secuencia del vals en toda su extensión y en la que resultaban un  alivio los uniformes, mientras la filmación de "La Reina KELLY" sellaba su carrera profesional. Aquéllos que arruinaron su carrera como Director, fueron tanto la arrogancia y su pertinaz empeño con la extensión de los films, como su persistente erotismo, provocando una desaparición - sin duda alguna merecida de acuerdo con las normas que regían la vida de la industria cinematográfica - , pero que sin embargo fue un duro golpe para la libertad de los artistas.

    Otros films que resultaron en esta década mun significativos, a veces a causa de las estrellas que los interpretaron, fueron, "Sangre y Arena" (1922), lo mismo que "Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis" y "El Jeque", con  el admiradisimo RODOLFO VALENTINO, quien impondría su engominamiento capilar y su boquilla, representando lo elegante y pecaminoso del nuevo siglo, de mudable moral, aunque en el fondo, protagonista afeminado y decadente en "La Dama de las Camelias". Protagonizaría también "The covered wagon" (La Caravana del Oeste), de 1923, o "Los Diez Mandamientos", en el mismo año, de CECIL B. DE  MILLE como Director, con efectos especiales como la apertura del Mar Rojo, obtenida filmando dos recipientes con agua mientras se vaciaban, en una película que señalaba la decadencia de DE MILLE  y su predilección por la grandiosidad; "Beau Geste" (1926), sobre tres hermanos que se enrolan en la Legión Extranjera al desaparecer una piedra preciosa; la versión de "Ben Hur" , de 1925, en un momento en que el cine mudo había muerto, rodada en Italia en unas condiciones caóticas, pero sin  que ni el combate naval  ni la carrera de cuadrigas, decepcionaran. Sería filmada con uso intermitente del Technicolor y de éxito garantizado con un RAMÓN NOVARRO, cuyo origen latino y apariencia física le convirtieron en un segundo VALENTINO, aunque de cualidades interpretativas superiores al primero.  

    Nuevamente DE MILLE  se convertiría en soberano indiscutible en "Rey de Reyes" (1927), estrenándola en la Royal Opera House, en un film "en el que María Magdalena es la amante de Iscariote, que ha pasado a ser un ambicioso seguidor de JESÚS, porque creía que iba a ser rey y a gratificarle con dinero y altos cargos". Al mismo tiempo, iba llegando el final del Cine Mudo con "La frágil voluntad" (1928), con GLORIA SWANSON; "El Ángel de la Calle", del mismo año; "Sun Rise" (Amanecer), o "City Girl" (El pan nuestro de cada día), estrenada en 1931, para perecer inmediatamente en el mundo del cine hablado. Y estrellas como CLARA BOW, se convertían en el arquetipo de las mujeres de la época, alegres y vivarachas - estamos en los "Felices Años Veinte", de vertiginosas ganas de vivir, mientras el "American way of Life", pretendía exportarse al mundo en contraposición a la "Tristeza" de la Revolución soviética  - emancipadas, muy femeninas y con una grqn confianza en sí mismas. De esta manera, THEDA BARA, se convertía en la Primera "Vamp", por hacer el papel de vampiro en "Fool There Vas", acuñándose el término para calificar a las mujeres hermosas devoradoras de hombres (ALIA NAZIMOVA, POLA NEGRI y la ya mencionada GLORIA SWANSON, serían las más importantes "vamps" de HOLLYWOOD) . Por su  parte, LON CHANEY, de padres sordomudos y de grandes dotes para caricaturizarse, se convertiría en el paradigma de personajes de apariencias monstruosas, como en "El Jorobado de Nôtre Dame (1923) o "El Fantasma de la Ópera" (1925), así como "DRÁCULA", en una versión que más tarde sería seguida por BELA LUGOSI y BORIS KARLOFF. Al tiempo, GRETA GARBO, se convertiría en la más grande estrella de la época, realizando "El Torrente" (1926) y "El Demonio y la Carne" (1927)y  quien acabaría conquistando al público y a la crítica americana con "Tentación" (1929), permaneciendo la ya citada "Flesh and the Devil", en versión muda, mucho después de que otras estrellas hablasen, hecho que se repetiría en "The Kiss" , en 1929, en la que encarnaría a una adúltera asesina. 

      Este cine americano, convertido en gran  industria, conquistaba el mercado mundial, y las gentes de estos "Felices años Veinte", cautivadas por lo que se llamó "La Fábrica de Sueños", incorporaban a su repertorio de necesidades vitales, frecuentar un espectáculo - el Cine - a una escala desconocida hasta entonces. La influencia sería tal, que sólo por la creación de una idolatría sin fronteras, podía aceptarse que la ya citada MARY PICKFORD - de origen americano - pudiera ser llamada "La Novia del Mundo", así como que astros como JOHN BARRYMORE, entraran dentro del nuevo montaje comercial conocido como publicidad, y que GRETA GARBO,  fuera conocida como"La Divina", así como que CLARA BOW - encarnación de la flapper (rodillas descubiertas, pelo corto "garçon" y boquita de piñón) - pasara a ser la representación de los Años Veinte (de unas mujeres que además de fumar y bailar con las piernas al aire cubiertas de medias de cristal el charlestón, también bebían como una forma más de transgresión); que DOUGLAS FAIRBANKS o RODOLFO VALENTINO, ("RUDY il Bello")  - arquetipo del seductor y apasionado amante, perfecto "Latin Lover", cuya muerte (1926), a los 31 años, a causa de una úlcera gástrica, desencadenaría auténtica histeria entre sus admiradoras "viudas", pues era el hombre más deseado del planeta - fueran mitos de una época edificada sobre los noticiarios, la propaganda y la prensa, al tiempo que CHAPLIN ironizaba a costa del sistema y del país que exaltaba al triunfador como a un semidiós, mientras él, por contraste, había encarnado al paria. 

     A esta atracción por las estrellas, no sería ajeno el hecho de aparecieran las primeras manifestaciones de rebeldía juvenil, siendo el automóvil, la radio y el Cine, piezas básicas en ese conflicto generacional que se produciría durante este período. Unas manifestaciones que se verían identificadas con las conductas de desafío hacia las costumbres tradicionales por parte de los artistas rebeldes a causa de su hedonismo y de su narcisismo, socavando - el ambiente liberal y promiscuo de Hollywood, divulgado frenéticamente por la publicidad - los valores y pautas de conducta establecidos en un mundo postbélico, que había hecho saltar por los aires lo que se había dado en llamar "Belle Époque", agudizando la tensión entre modernos y antiguos y desintegrando los parámetros costumbristas y culturales establecidos por la conservadora sociedad norteamericana. Emergerían la Ley Seca, las tensiones raciales y el fundamentalismo religioso, siendo para los jóvenes inconformistas el alcohol, (prohibido y obviada tal prohibición por el gangsterismo), un desafío cultural. Sería precisamente este gangsterismo el que formaría parte de una brillante etapa de obras hollywoodenses , al convertirse en otra forma de violación de las normas policiales establecidas (el Chicago de AL CAPONE, de DIAMOND JIM, de JOHNNY TORRIO, resultarían ejemplos significativos). A todo lo anterior, añadir , en este año de "La Gran Depresión" (1929), el "invento" de los OSCAR - nombre del tío de MARGARET HERWICK, bibliotecaria de la Academia de Artes Cinematográficas de HOLLYWOOD - siendo los primeros galardonados, EMIL JANNINGS y JANET GAYLOR. Y que el año anterior, había "nacido" el ratón más famoso de la Historia : MICKEY MOUSE 



       En Gran Bretaña, mientras tanto, y a causa, tanto del desgaste que había producido la Primera Guerra Mundial, como al hecho de que los empresarios no se hicieran una competencia despiadada , pues eran casi todos aficionados y gentes del teatro - y sobresaliendo, en todo caso, el único pionero que todavía era una potencia en la industria (HEPWORTH ) - no se alcanzaron los niveles que exigían los públicos norteamericanos o, a decir verdad, los del propio país. Sobrevivieron a todos estos inconvenientes, MICHAEL BALCON y HERBERT WILCOX, como productores, al tiempo que ALFRED HITCHCOCK, anteriormente primer guionista de BALCON y quien se había iniciado en el cine como escritor de rótulos de películas, hacía su entrada como Director, con grandes habilidades aprendidas en Alemania : "El Jardín de la Alegría" (1926) y "El Inquilino", del mismo año, le impulsarían a realizar "Downhill" (1927) y "Easy Virtus", llevando las obras de NOEL COWARD  al Cine, a pesar de que sus comedias solían escandalizar a las gentes del East End : "The Vortex", sobre drogas y sexo, o la ya citada "Downhill", de moralidad pretenciosa y anticuada, en comparación con las películas norteamericanas.

     En Francia, predominaba un Cine Realista, encontrándose a la cabeza de los cineastas,  LOUIS DELLUC, aunque su falta de representación en los archivos, parece confirmar la escasa impresión que causó en su momento. Obras como "L'Agonie des Aigles" (1920); "L'Homme du large" , del mismo año;  "El Dorado" (1921); "El Difunto Matías Pascal" (1924), son algunos de los botones de muestra, siendo L'HERBIER, el más preocupado por las clases trabajadoras en sus películas : "El Dinero, que resultaría  una copia descarada de las películas soviéticas, y por contraste, derivando hacia el conservadurismo en sus films sonoros, siendo por tanto, "L' Argent", el que marcaría el final del movimiento "Impresionista" en el cine francés. RENÉ CLAIR, acabaría eclipsando a L'HERBIER y representando excepcionalmente el movimiento : "Paris dormido" (1924), es una ojeada retrospectiva al cine de LUMIÉRE, MÉLIÉS y ZECCA ; "Le Fantôme del MOULIN ROUGE" (1925), sería su película de larga duración y la primera destinada a las salas comerciales; "Voyage Imaginaire" (1925), otro homenaje a MÉLIÉS; "Un sombrero de paja de Italia" (1927), la que supuso su florecimiento y "Los Tímidos" (1928), obra muy a gusto de CLAIR, que no revelaría su genio hasta que hiciera sus primeras películas sonoras en los años treinta.

    Otro señero Director sería JEAN RENOIR, quien se iría configurando en esa especie de vaivén en que se mantendría hasta que fue aclamado universalmente, ya en su vejez. "La fille de l'eau" (1924), "Naná" (1926), "Charlestón", del mismo año; "Marquitta" (1927); "La cerillerita" (1928) o "Tire - au - flanc", fueron algunos films que en la época realizara. Mientras tanto, otros cineastas franceses copiaban y experimentaban y el aragonés LUIS BUÑUEL - en aquel entonces en Francia - realizaba "Un chien andalou", de argumento escrito junto con DALI, siendo un film representativo del surrealismo, "escandalizando y causando gran sensación al mismo tiempo"; ABEL GANCE  obtenía fama con "NAPOLEÓN" (1927), de cinco horas de duración y CARL DREYER exploraba también la Historia con "La Passion de JEANNE D'ARC" (1928), dejando bien claro que hubiera preferido hacer la película con sonido, convirtiéndose en uno de los pocos cineastas que acogieron bien el cambio.  Un cambio que aparecería con "El cantante de Jazz", protagonizada por AL JOHNSON  en 1927, año en que CHAPLIN, acusado por su mujer LITA GREY, era vetado por las distribuidoras.

    Y en ESPAÑA,, el Cine Mudo con la PERLA BLANCA, la BERTINI, la CAVALLIERI y CHARLOT, con quien se codearía la gran RAQUEL MELLER. Y el impagable VALLE INCLÁN, escribiendo , al referirse a CHAPLIN : "Ese Charlot, tan ponderado, es algo más insoportable que aquel D. Genaro el Feo. Los gestos son el lugar común de los malos actores." Mientras, en Logroño, en cuanto a Cines, el "FRONTÓN"; el "OLYMPIA" - inaugurado el 3 de octubre de 1929, con la proyección de "Submarino" - el "CINEMA SOCIAL" y el "BETI - JAI", completaban el panorama. 
G R E T A     G A R B O   "LA   DIVINA"

viernes, 15 de noviembre de 2019

LOS "FELICES AÑOS VEINTE", EN EL CINE.PRIMERA PARTE

E D W A R D   G R I F F I T H 
S  E R G E I    M,   E I N S E N S T E I N
     LOS "FELICES  AÑOS VEINTE", EN EL CINE. (PRIMERA PARTE).



     Es imposible ignorar el efecto del cine alemán en la posguerra sobre la intelectualidad de otros países. El cine sueco, al cual pertenecía el primer maestro de la pantalla, SJOSTROM, quedó inmediatamente ensombrecido, pues era demasiado lento para los auditorios americanos. Pero en cambio, Alemania, tuvo su LUBITSCH y su "CALIGARI". Los films de LUBITSCH eran populares, y "CALIGARI", y otros, erróneamente calificados de "expresionistas", fueron  admirados desproporcionadamente en relación a su mérito; los de LUBITSCH eran históricos, los otros conectaban con el teatro y los modernos movimientos del Arte. Después de la derrota en la Guerra Mundial del 14, el Gobierno alemán perdió interés por la propaganda, pero los productores creativos habían entrevisto la ocasión de instruir e influenciar políticamente a la opinión pública, lo cual fue muy importante en el desconcertado clima postbélico de la época. Así, LUBITSCH, se lanzaba con la sátira antimilitarista , "Die bergkatze", que sin embargo fue un fracaso, pues los alemanes no estaban de humor para eso. Al  mismo tiempo, la industria cinematográfica alemana aceleraba su producción sobre temas sexuales, así como sobre las realidades de la República de Weimar, y veían la luz, "Der Reigen" (1920), con la entonces insustituible ASTA NIELSEN  y DREYER intentando el tema de la homosexualidad en "MICHAEL" (1924), tras la realización de "DIE GESETCHNETEN" (1927), dedicada  a la tolerancia de las minorías judías, como también lo haría DUPONT en "Das alte Gesetz" (1923). Pero la pieza más afectadamente artística y teatral, fuera "El Gabinete del Doctor CALIGARI", de 1920, empleando decorados y escenas abstractas como recurso, ya que había restricciones sobre la electricidad y el alumbrado, relacionándola por tanto con la cultura y la vanguardia, y como el EXPRESIONISMO era una declaración de oscuridad emocional, la película fue considerada todo eso. Pero en realidad, NO ERA EXPRESIONISMO LO QUE HABÍA EN ELLA, SINO SURREALIMO, Y ELLO, A NIVEL RUDIMENTARIO.

     Otro tema nuevo y recurrente que aparece en esa convulsa época en la que el pueblo alemán padecerá tanto las consecuencias de la pretendida "puñalada por la espalda" como gran embuste, como las derivadas de una crisis económica que sacude al país tras las reparaciones bélicas, es el del horror, presente en una fracasada "Termine", así como en "Raskolnikof", o en imitaciones de "CALIGARI", como "Torgus" (1921), o "Von Morgens bis Mitternach" (1920), que hastían al público rápidamente del Impresionismo. Mientras tanto, la industria seguirá tratando con lo grotesco y fantástico, y como la disposición del ánimo en general, tendía hacia el pesimismo, el cine atrajo a cierto número de talentos interesantes : MURNAU, con "Nosferatu"; WAGNER, con "Schatten" (1923);  LENI, en "Das Wachsenfiguren Kabinet" o "Der müde Tod" (1921), de FRITZ LANG, entre otras. LANG cosecharía éxitos como "Dr. MABUSE ADER SPIELER" (1922), en dos partes, demasiado larga para una clase de obra a la que no se concedería más de cinco minutos en televisión y sonido. Pero el éxito les hizo embarcarse en la épica : "Der Nibelungen" (1929), un film que resultó importante para animar a los novicios del partido nazi, siendo sus enormes decorados y los de "Metrópolis" (1927), los que proporcionarían la concepción del Estadio de Nuremberg, siendo así que en "Metrópolis", la dorada juventud hacía deporte en un vasto estadio y los nazis observaban con satisfacción que su loco inventor era judío, en una película de resultado final decepcionante y vacía de contenido. Nuevamente volvería el hombre que quería dominar el mundo, con "Spione" (1929), criticando las mentes directoras con palacios mazmorra, detrás de respetables fachadas de bancos, en una película con su sentido del fatalismo, de los dolores y las recompensas, anunciando ya al LANG de los últimos tiempos.

     También los films de prostitución crearían escuela, tanto como reflejo de la pobreza y la inflación galopante causando desgracia, enfermedad y muerte,  "Die Bushae von Pandora" (1928) o "Der Freudlosse Sasse", como por el contrario, mostrando con ingenio y tristeza a la mujer tratando de conservar su juventud, como en "Das Gefarhliche Alter" (1927), "Diznentragödie" , del mismo año o "Alraune", también del veintisiete, combinando el género "de la calle", con lo fantástico.

      Pero quien refleja el período con enorme precisión a través de sus películas, fue el Director ALEXANDER KORDA, un  oportunista necesario en el WEIMAR  de entonces y en la industria cinematográfica de toda la vida, sobresaliendo en su carrera "Eine DUBARRY von Heute" (1927), recordatorio de su permanente interés por los amores de los Reyes, como lo demuestra su anterior "Tragödie in Hause Hapsburg" (1924), sobre el drama MAYERLING, al tiempo que practica el melodrama en "Das Hausam Meer" (1924), contando con una técnica de lo más imaginativo. 

    En la URSS, la cinematografía oscilaría entre el montaje y el mensaje, y VLADIMIR MAIAKOWSKI, sería su principal teórico, proveniente del movimiento Futurista y quien habia realizado cortometrajes como "No se puede comprar la creación", "La señorita y el truhán" y "Aherrojado el cine", escribiendo posteriormente entre 1926 y su suicidio en 1930, algunos guiones de los que sólo dos encontrarían el camino de la pantalla. Mientras tanto, surgían los debates en la escuela Estatal de Moscú, basándose las raíces del cine soviético en la inmediatez, y lo que era más importante, el montaje. Uno de los teóricos de esta escuela sería DEIGE VERTOV, productor de "El hombre con una cámara de cine", siendo PULESCHOV, uno de los fundadores de la teoría cinematográfica, pretendiendo capta la atención del público como hacían los productores de películas hollywoodenses.

      La enseñanza de PULESCHOV y MEYRHOLD, daba sus  frutos en SERGEI  M. EINSENSTEIN, quien produjo su primera película, "La huelga" (1924), como una forma de difundir los ideales soviéticos "en pro de la dictadura del proletariado".En 1925, realizaría "El Acorazado POTEMKIN", que convierte a todos los espectadores en revolucionarios, superando las técnicas innovadoras de "La Huelga". Asimismo, en "OCTUBRE" (1928), volvió a tratar el tema de la Revolución, presentándose a veces con el subtítulo de "Los Diez Días que hicieron temblar al mundo", en un relato romántico, que en su dolor y pasión refleja el espíritu mismo de la Revolución Soviética.

     En USA, y en el año 1919, las cuatro personas más famosas del Cine, unían sus talentos para obtener unos beneficios económicos más sustanciosos: CHAPLIN, GRIFFITH, MARY PICKFORD Y DOUGLAS FAIRBANKS, inaugurando la "UNITED ARTISTS", respondida por la industria del celuloide, cerrando filas contra ellos al grito de "Los locos se han hecho cargo del manicomio". GRIFFTH, sin la presencia de LILIAN GISH, hacía películas más desfasadas y anticuadas que  nunca, retrocediendo en "América" (1924) y "La Aurora de la Vida", del mismo año, acabando su gran carrera con el fiasco de "The Strugle", tras una larga historia de fracasos. Por su parte, MARY PICKFORD, quien en su interpretación de papeles de niña adolescente, iba de la actitud de gatita ronroneante a lo grotesco, interpretaba para la U.A., "POLYANNA" (1920), dando vida, aunque ya tenía treinta años, a papeles de adolescente con edad indefinida. El público no respondió a "ROSITA" (1923), ni a "DOROTHY vernon of Haddon Hall" (1924), siendo contestada por sus admiradores en el sentido de que debiera interpretar a Cenicienta, llegando en su última película muda, "La Pequeña Vendedora" (1927), a ser una buena actriz, maravillosamente fotografiada por CHARLES ROSHER. En lo que se refiere a DOUGLAS FAIRBANKS, su vitalidad era sorprendente, en papeles de play boy básicamente decente, como en "The nut" (1921), siendo además intérprete de aventuras como "Los tres mosqueteros", en la que hacía de D'Artagnan, o "La marca del Zorro" (1920), "ROBIN HOOD" (1922) o "El ladrón de Bagdad" (1924), dentro de papeles de héroes renegados o marginados por la ley, como también lo haría en "El Pirata Negro" (1926), o "El Gaucho", de 1927. En cuanto a CHAPLIN, en 1921 cosecha un gran éxito con "The Kid", obra que se transforma inmediatamente en un clásico del cine, tomándose muy en serio la cuestión de su prestigio a través de "Vacaciones" (1921), "Día de paga" (1922), "El Peregrino", del mismo año, siendo su primera película para la UNITED ARTISTS, "Una mujer de París" (1923), pero mostrando nuevamente sus genialidades en "La quimera del Oro", de 1925, interpretando el papel de un vagabundo que se marcha al helado norte en busca del aurífero metal.

       
D O U G L A S   F A I R B A N K S

lunes, 11 de noviembre de 2019

CINEMATOGRAFÍA.- LA DÉCADA DE LOS DIEZ.

CINEMATOGRAFÍA : LA DÉCADA DE LOS DIEZ.

     
     A partir de 1911, el ya citado MAX LINDER, escribió y dirigió la mayoría de sus películas, entre las que se encuentran : "MAX est distrait" (1911) y "MAX et son chien Dick", del  mismo año; "MAX, proffesseur de tango (1912); "MAX devrait porter les bretelles", y "MAX pedicure," ambas del 15, utilizando en sus comienzos la "coda" cómica y concediendo gran importancia al gag final, como más tarde lo harían también BUSTER KEATON  y HAROLD LLOYD, llegando incluso a reconocer el inolvidable CHAPLIN, que su maestro había sido el propio LINDER.


F A T T Y   Y   C H A P L I N
    Por otra parte, como FRANCIA había sido el primer país en el que el Teatro aceptó al Cine, gracias a los banqueros LAFFITE, no será extraño que sea el lugar donde vea la luz "La Dame Aux Camélies", en 1912, interpretada por la inmortal actriz dramática SARAH BERNHARDT, ya interviniente en 1908 en "TOSCA", con una forma de andar que parece torpe, a pesar de que aún no le han amputado la pierna. Le seguiría, "Les amours de la Reine Elizabeth", también en 1912, LA PELÍCULA MÁS LARGA RODADA HASTA ENTONCES, producida por LOUIS MERCANTON y HENRY DESFONTAINES, y dirigida por este último. A mayor abundamiento los propios LAFFITTE fundarían en Londres una productora para hacer la competencia a PATHÉ el cual intervendría en la creación de la "Societé Cinematographique des Auteurs et Gens de Lettres", dirigida por ALBERT CAPELLANI, quien se había inspirado en el "Théatre Libre" y en el Naturalismo preconizado por EMILE ZOLA. 

    En ITALIA, mientras tanto,  corrían tiempos de grandes avances: "La cadutta di Troia (1910), de PASTRONE; "La Sposa del Nilo" (1911), o la versión de ocho rollos de "Quo Vadis?" (1912), supeditado todo ello a lo espectacular. La prensa de New York, anunciaba su estreno en mayo de 1913, con las palabras "Dos horas y media de proyección", con un incendio de Roma realizado a base de cortinas de humo. También  en LONDRES se estrenaba el film en el ROYAL ALBERT HALL, con gran éxito. Pues bien, en el  momento en que se vio que la película iba a ser rentable, se inició la producción por parte de ITALA FILMS, de una película de diez rollos : "CABIRIA" (1914), dirigida por el propio PASTRONE, DE DURACIÓN DE TRES HORAS, con decorados que van de lo funcional y falso a lo magnífico y cuyo guión era de GABRIELLE D'ANNUNZIO, PRIMER ESCRITOR QUE COLABORÓ DIRECTAMENTE CON  EL CINE. La película representó la cúspide de la cinematografía italiana del momento, pues "MACISTE", al año siguiente, sólo era una especie de secuela. 

    LA REINA DE LAS DIVAS ITALIANAS, PASABA A SER FRANCESCA BERTINI, con la clásica postura de la vampiresa en "Serpe" (1919); tendida en un amplio diván, triunfante, la frente coronada de perlas y hombro adornado con plumas, pasaba a convertirse en el arquetipo de "femme fatal". No era una principiante, pues con anterioridad, había protagonizado "Assunta Spina", en 1915.

    ASTA  NIELSEN,  DE ORIGEN DANÉS, SERÍA LA GRAN ESTRELLA DEL CINE ALEMÁN, y sin duda, FUE LA PRIMERA ACTRIZ PREEMINENTE, ESENCIALMENTE CINEMATOGRÁFICA. APOLLINAIRE escribió de ella : "Lo es todo, la visión del borracho y el sueño del eremita" .Los filmes más representativos de su carrera, aparte de "Afgrunden", sería una nueva versión de ésta :"Die arme Jenny" (1912); "Mädchen ohne vaterland", del mismo año, o "Engelein" , también de 1912, filme por el que se la compara con MARY PICKFORD. El Cine progresaba más rápidamente en Europa que en Norteamérica, porque las grandes productoras europeas lo consideraban sobre todo como una nueva forma de expresión, mientras que los pioneros americanos veían en él una forma de hacer dinero. Pero con LOS PAÍSES EUROPEOS SUMIDOS EN EL APOCALIPSIS, NORTEAMÉRICA PUDO PONERSE A LA CABEZA DE LA PRODUCCIÓN CINEMATOGRÁFICA, posición que conserva hasta el presente. 

      HOLLYWOOD entraba en escena tras la promoción por parte, tanto de la empresa I.M.P., como de LAEMLE, de dos fantasías permanentes : el universal barrio de LOS ÁNGELES, y el propio sistema del "Estrellato" norteamericano : FLORENCE LAWRENCE, FUE LA PRIMERA "ESTRELLA", es decir, la primera actriz que pudo conseguir que su nombre apareciera en los créditos de las películas, el año 1910. Hasta entonces, las productoras se habían negado a que actores y actrices fueran conocidos del gran público. Evitaban así las exigencias económicas que caras populares, respaldadas por sus admiradores, podrían exigir. Otro tanto ocurriría con la conocida "Familia Real de BROADWAY", o sea, LIONEL, ETHEL y JOHN BARRYMORE, de gran popularidad que descendió con la llegada del sonoro.  

       En este contexto, D. W. GRIFFITH (1875 - 1948), dominó la industria cinematográfica norteamericana durante la segunda década del siglo. De él se ha dicho que era un innovador, idea promocionada por él mismo. Como sus novedades introducidas, figuran : el uso de tomas de figuras en primeros planos agrandados, las vistas de lejos, el salto atrás, el "suspense" mantenido, la desaparición gradual de la imagen y la sobriedad en la expresión, así como el realce de la actuación de los protagonistas hasta conseguir que al Cine se le reconociera como AUTÉNTICO ARTE. JAMES CARD, por su parte, archivero de la casa EASTMAN, y el hombre que quizá haya visto más películas antiguas en el mundo, cree que la reputación de GRIFFITH comenzó con los anuncios que él mismo hizo publicar en la prensa dedicada al cine. GRIFFITH, con su obra "The birth of a nation" (El Nacimiento de una Nación"), (1915), primera vez en la historia del cine americano en la que un cineasta pensaba y actuaba a lo grande y se encontraba recompensado adecuadamente, convertía el film en un éxito y un jalón a lo largo de muchos años, aún cuando hoy en día no tenga ningún valor como espectáculo. El segundo superfilm sería "Intolerance", obra de tres horas de duración, conjuntando cuatro historias. La enorme popularidad de esta película, permitió que en aún en 1973, fuese votada como la segunda mejor película norteamericana.

       THOMAS INCE, formó con GRIFFITH la pareja de directores de películas no cómicas más importante de aquellos años. Comenzó a hacer cine en 1910, y dirigió "Civilization", rodada en pleno conflicto  de la Primera Guerra Mundial, en 1916, con una intención claramente pacifista. La historia en su desarrollo resulta ser sorprendentemente impactante. A pesar de ello, en seguida se aburrió y pasó a ser supervisor de producción. A él se deberá el sistema que divide el trabajo de una película entre dos hombres : el Director y el Productor.

       Dentro del campo de la comicidad, entre los Diez y los Veinte, ROSCOE "FATTY" ARBUCKLE, "Gordo", fue quien consiguió mayor aceptación entre los niños, lo que le permitió, a principios de los Años Veinte, firmar un contrato de tres millones de dólares. BEN TURPI, sería otro de los actores cómicos, cuya comicidad derivaría de su estrabismo. Él lo sabía y eso le llevó a asegurar sus ojos en medio millón de dólares. También las improvisaciones cómicas de MAX SENNET, que fue quien trajo a CHAPLIN al mundo del cine, lo convierte en el astro más popular tras el propio CHARLOT, interviniendo en películas como "Tillie'es puntured romance" (1914), "His new job" (1915), y otras. Por su parte, el caso de CHAPLIN comienza con "A nigth in the show" (1915), seguida de "The count" (1916), o "El vagabundo", en el mismo año. Asimismo, "The pawnshop", y su PRIMERA OBRA MAESTRA, "Easy Street" (1917), o "The inmigrant" y "The adventurer", también del 17..  

       En otro orden de cosas, MARY PICKFORD, con su imagen tradicional - vestidito de percal y rizos dorados - era tranquilizante en una época en que las mujeres se declaraban iguales a los hombres, lo cual puede ser razón suficiente para justificar y entender el motivo por el que esta actriz  FUERA LA MÁS FAMOSA QUE HA EXISTIDO. Sus pretensiones económicas, eran realmente astronómicas, pero siempre satisfechas por un ZUKOR rezongón. El público manifestaba su preferencia por las películas en que interpretaba el papel de niña :"The pooz little rich girl" (1917) , "Rebecca of sunny brook farm", del mismo año, o "Stella Maris" de 1918. Films como "The Little American", LA CONVIRTIERON EN LA LLAMADA  "NOVIA DE AMÉRICA". Añadir que en esta época aparecieron los grandes estudios : LA METRO GOLDWIN MAYER, creada por MARCUS LOEW, quien compra la METRO, la GOLDWIN y la LOUIS B. MAYER;  la PARAMOUNT nacida gracias a los esfuerzos de ZUKOR: la TWIENTIETH CENTURY FOX,  fundada por WILLIAM FOX en 1915:  la UNIVERSAL, que debe su existencia a LAEMLE, un potente exhibidor, y finalmente, los WARNER que crearon  la WARNER BROTHERS. 

       En LOGROÑO, reseñar, entre los avatares y acontecimientos más significativos relacionados con el Séptimo arte, los siguientes : en 1911, ardía el cine Ex - PARRUSINI instalado con motivo de las fiestas de San Bernabé. Aparecía el primer "cine estable": el "SALON DORÉ"(1912), al cual seguirían el "BETI JAI", el "FRONTÓN CINEMA" y el "CINE SOCIAL", instalado en lo que actualmente es la Sala GONZALO DE BERCEO. El "Salón DORÉ" , se situaría en la planta baja del número 15 de la calle Once de Junio, junto al Banco de España de entonces. La tiple del NOVELTY, MARIQUITA GURGUI, con la ayuda de ANICETO BERNEDO, invirtió su dinero para proporcionarse una nueva forma de sobrevivir. Pero el fracaso de los "cines estables" en la capital  riojana, se pondría pronto de manifiesto, pues a los cinco meses tuvo que cerrar.  El 18 de septiembre de 1913, se estrenaba el "Teatro MODERNO", y se presentaba la película "¿Quo Vadis? en el "BETI JAI".Y en 1917, DANIEL TREVIJANO se adjudicaba el TEATRO BRETÓN.
M A R Y     P I C K F O R D
F A T T Y    R O S C O E   A R B U C K L E


miércoles, 6 de noviembre de 2019

CINEMATOGRAFÍA 1 9 0 0 - 1 9 1 0.

CINEMATOGRAFÍA  AÑOS 1900 - 1910  



       A principios de siglo, GEORGE MÉLIÉS,  prosiguiendo con su afán de experimentación, rodaría "Nouvelles luttes extravagantes" (1900), en la que las luchadoras se convierten en luchadores y la continua mutación de sexos se acompañaba con múltiples desmembramientos; también en ese año realizaría "L´ homme orchestre", en la que los hombres y las sillas se multiplican o desaparecen mágicamente; asimismo, "Le chaudron infernel" de 1903, en la que unos fantasmas bailan en la parte superior de la pantalla, sin olvidar "L`homme á la tête de cautchoue", en la que una cabeza se agranda y achica "gracias a una curiosa sobreimpresión  y al avance y al retroceso de la cámara".

    Sin embargo, sus temas favoritos le llevarían a las obras de su contemporáneo JULES VERNE : "Voyage dans la lune", en 1902, o "Cendrillon", rodada en 1900, películas que le encumbraron, lo mismo que la entusiásticamente recibida "Voyage á Travers l'impossible", de 1904. Sin embargo, sus trucos raros e imaginativos y los detalles sorprendentes de los temas cortos, tienden a aburrir cuando la película se alarga a veinte minutos. Por el contrario, la "planificación", es decir, el sentido de "continuidad narrativa", es lo más valioso que ha aportado al cine.

    También a principios de siglo, y prosiguiendo con los precursores, el anteriormente citado GEORGE ALBERT SMITH, continuaba con sus experiencias "sexuales" : "Let me drean again",rodada en 1900, presentando a un hombre maduro que bebe y fuma con una señorita, pero cuando se inclina para besarla, se encuentra que está en la cama con su esposa; "Things seen a trough a telescope", en el mismo año, que incluye a una pareja besándose y a una mujer desnudándose, es decir, escenas semejantes a las vistas a través de un ojo de cerradura en "Pepping Tom" (1901). También se advierte el deseo de que el público acepte los primeros planos mediante la sugestión de que está viendo algo  ampliado por medios mecánicos. Asimismo se intercalan primeros planos en pequeñas e inocentes piezas cómicas como "Grandina's Reading glass", de 1900; "The Little doctor and the kitten", del mismo año, por no mencionar "Mary Jane's mishap or Don't fool with the paraffin", en la que una criada desmañada vuela por los aires para reaparecer finalmente como un fantasma con una lata de nafta en la mano.

     La productora inglesa HEPWORTH, realiza películas como "How it feels to be run over", en 1900; "The Jonah man or the traveller bewitchted", en 1904, con desapariciones de abrigos, tranvías y trenes, así como "Wath the curate really did", del 1905, en la que las aventuras de un clérigo aparecen sobreimpresionadas a un grupo de damas chismosas. Por su parte, JAMES WILLIAMSON, realizaría "An interesting story" , en 1904, en la que un hombre enfrascado en la lecura provoca diversas desgracias, incluído un desmembramiento.  

      Hacia 1902, los pioneros ingleses, son los más innovadores, pero al año siguiente fueron sobrepasados por los franceses, principalmente gracias a la iniciativa de los Hermanos PATHÉ : CHARLES PATHÉ, quien llegó a afirmar que aunque no era el inventor del cine sí era su industrializador, dejó el negocio de fonógrafos con el que se había enriquecido en manos de su hermano EMILE en 1901, y abrió un estudio de cine en VINCENNES. Al año siguiente fundó una sucursal en Londres y en 1908 controlaba la mitad del negocio cinematográfico de América. PATHÉ tendría la pupila de encargar la producción continuada de películas a FERDINAND  ZECCA, un compañero de trabajo en las ferias y antiguo comentarista de los filmes de PATHÉ. ZECCA, no sólo se apropió de las ideas e innovaciones de sus contemporáneos, sino que duplicó la mayoría de las películas de GEORGE ALBERT SMITH. Desechó el efecto de proscenio y el campo narrativo se hizo más amplio; hizo  la primera película francesa de crímenes "'Histoire d'un crime" (1901), y la primera de tema religioso, "Passion de Nôtre Seigneur", en 1902; también produjo un "¿Quo Vadis?", en el mismo 1901, y un "Ali Babá et les quarante voleurs", en 1902, así como "La conquête de l'air", también en 1901.  Aunque tuvo títulos de mayor enjundia, "Las vitimes de l'alcoolisme" (1902), "La Grêve" (1904), etc., acabó inclinándose de manera fundamental hacia lo fantástico, como "Marionetten" (1904), "Japonissaire", del mismo año, "L'ingenieuse soubrette" (1902), en la que la protagonista camina por las paredes; "Rêve á la lune" (1905), en la que un borracho ve botellas de champán que bailan, y "Aladín", en la que ocurren transformaciones milagrosas y aparecen caras en los vasos, dentro de la idea dominante del propio ZECCA, quien, como MÉLIÉS, creía que al cine le iba lo fantástico.

       Con MÉLIÉS el Cine se convirtió en Arte, pero con el montaje comenzó el verdadero arte del Cine, al tiempo que el público comenzaba a cansarse de los trucos de magia y prefería los filmes narrativos. La primera película montada, es posible que fuera "Fire!" (1901), realizada en Inglaterra por JAMES WILLIAMSON, que aunque cuenta con el precedente de "Fire call and free escape", de WARWICK, es más larga y elaborada. Cada escena depende de la anterior, cosa que no ocurre con MÉLIÉS. También "A daring dayligth robbery", de 1903, de FRANK MOTTERSHAW, es extremadamente elaborada, lo cual demostraba que tanto WILLIAMSON como MOTTERSHAW, habían comprendido que si una narración se podía construir con trozos de película, lo lógico sería decidir de antemano todo lo que sería necesario, aparte del atrezzo. Nacería de esta manera, si no el guión, sí el plan de rodaje.  

      En Francia, siguiendo la pauta de la "Belle Époque", el Cine se inclinó por la frivolidad, y en 1908, la PATHÉ  contrató al artista de variedades ANDRÉ DEED para una serie de películas cómicas que lo convirtieron en el primer actor conocido por el gran público. Francia, además, elevó la comedia a la categoría de Arte, produciéndose millares de comedias de persecución, haciendo en una de ellas su presentación EL PRIMER GRAN ACTOR CINEMATOGRÁFICO, MAX LINDER (1883 - 1925), que aunque había actuado de intérprete de "Boulevard", tardó aún algún tiempo en crear un personaje de sedosa chistera. LINDER  descubrió que cuanto más alta era la clase social del personaje, más dura era su caída, por lo que enseguida convirtió a su tipo en un hombre de mundo impecablemente vestido. A los tres años de su presentación, casi todos los títulos de sus películas incluían su nombre, lo que prueba que fue EL PRIMER ACTOR QUE ATRAJO AL PÚBLICO POR SÍ MISMO".

      En Italia, la primera productora de importancia que se organizó, fue la fundada en Turín por ARTURO AMBROSIO, del cual tomó el nombre, aunque el pionero del cine italiano fuera FILOTEO ALBERINI, quien se puso a la cabeza de la industria cuando su productora, "Cines", realizó el primer filme espectacular :"Il Sacco di Roma", en 1905. AMBROSIO le respondió con su "Marcus Lycinnius", en 1907. En ese mismo año, CESARINI produjo "Otello", "Catalina", "Mc Beth", "Siegfried", "Parsifal" y dos versiones de la novela de BULWER LYTTON, "Gli ultimi giorni di Pompei" (1908 y 1913). También fueron manoseados el DANTE y los héroes griegos, siendo la película de dos rollos, "L'Inferno" (1909), dirigida por GIUSSEPPE DE LIGUORO, especialmente ambiciosa. DE LIGUORO era un aristócrata que dirigía su propia productora, "Milano", y cuya superioridad fue reconocida por todos sus contemporáneos. "L'Ìnferno", supuso un tremendo esfuerzo de preparación, pues sus exteriores van desde el mar hasta la montaña, y el infierno está representado imaginativamente  mediante múltiples trucos al estilo MÉLIÉS, y centenares de hombres que aparecen desnudos.

     Mientras tanto, las mejores películas se producían en Dinamarca. El hecho de que los filmes de dos rollos se adaptaran en Europa antes que en América, se debe al éxito de dos películas danesas : "Afgrunden" y "La trata de blancas", ambas relacionadas con el sexo. PERO EL PRIMER FILM DANÉS DE FAMA MUNDIAL FUE "LA CAZA DEL LEÓN" (1907), del que se vendieron 259 copias. Su productora fue la NORDISK FILM, compañía fundada por OLE OLSEN, propietario de un parque de atracciones; su Director, VIGO LARSEN,  había hecho de "gancho" a la puerta de uno de los nickelodeones, y la fotografía se debe a AXEL SORENSEN, su antiguo mecánico de máquinas de feria.

   En lo que respecta a Norteamérica, todo comienza en 1905, cuando las películas dejan de proyectarse en galerías comerciales y en las trastiendas de bares y cafés cantantes, para rodearse de un ambiente distinto : unos centros de distribución compraban los films a las productoras y los alquilaban después a los exhibidores por una cuarta parte del precio de compra. La primera de estas empresas la inició un camarógrafo, HARRY J. MILES,  en 1903, y al cabo de cuatro años ya había más de cien en todo el país. La sala considerada como el primer cinematógrafo de los Estados Unidos, fue inaugurada en Pittsburg por JOHN F. HARRIS junto a su cuñado HARRY DAVIS. Éste acuñó para el local el nombre de "nickelodeon" , dando a entender tanto lo económico de la localidad , como sus aspiraciones de que se rindiera un merecido respeto a la sala. Para ello convirtieron un local comercial en desuso, con decoraciones propias de las representaciones de ópera, en una sala de proyecciones cinematográficas (la película del estreno fue "The great train robbery". Tres años después, ya había diez mil nickelodeones en USA - una de las primeras en New York fue la sala WACO, asentada en un antiguo teatro - y su programación consistía en un melodrama, una comedia y una novedad cualquiera, cada una de ellas con una duración de un rollo tan sólo. Un pianista, situado en el foso del local, acompañaba el pase de las películas, y también algunas veces, un cantante dirigía a la masa coral de los espectadores durante los intermedios. En los vestíbulos se pregonaban las "palomitas de maíz", los caramelos y los cacahuetes. En determinados momentos el precio de la localidad podía también incluir la entrega de una naranja o una manzana cubierta de caramelo, y en los malos tiempos, la entrada podía pagarse con una cantidad simbólica o con artículo de bajo coste, como por ejemplo, un tarro de compota.  Los vestíbulos, cubiertos con carteles publicitarios, eran auténticos refugios donde se ofrecía el más sencillo pero espectacular de los entretenimientos. Pero al principio no fueron refugios elegantes. De forma inevitable se despertó un sentimiento de hostilidad ante una diversión apoyada con tanto entusiasmo por la gente humilde y sencilla; los editoriales de los periódicos tronaron contra la "inmoralidad" que se podía presenciar en los "nickelodeones" Pero los agitadores más vocingleros fueron los que sintieron la mordedura, es decir, los propietarios de los "Cafés - cantantes", los empresarios de vodevil y los clérigos. Para ello, en 1909 nació la Jiunta de Censores de Películas, creada por el Instituto del Pueblo de New York en unión de la Compañía de Patentes de Películas, aunque no llegó a ser verdaderamente eficaz pues nunca llegó a abarcar el conjunto de productoras de películas. Por otra parte, en esta década, y más concretamente  el 27 de noviembre de 1903, una pareja de puritanos de Texas, HORACIO HENDERSON WILCOX y su esposa, se establecieron en la periferia de Los Ángeles. Era un terreno de tierra negra, con bosque de acebo (en inglés, HOLLYWOOD). Cuatro meses después, llegaban los primeros cineastas procedentes de Chicago. En 1906, ya estaban allí los grandes del Cine. También en esta época se produciría el inicio de lo que más tarde se convertiría en el fulgurante éxito de los "WESTERNS". El nombre más destacado sería GILBERT M. ANDERSON (1883 - 1971), nacido MAX AARONSON y conocido como "BRONCHO BILLY". A ,los diecisiete años, tras ser un chico repartidor de periódicos, comenzó a actuar en un escenario y justo tres años después, inició su carrera en el Cine en "The great train robbery". En 1907, junto a GEORGE F. SIBOR, fundó la ESSANAY S.A., que comenzó a producir la serie de BRONCHO con la primera película, "BRONCHO BILLY and the baby" (1908), basada en un argumento teatral utilizado numerosas veces, "Three goldfathers". El western empezó con los populares melodramas del Oeste, y las primera películas de BRONCHO BILLY fueron tanto comedias familiares como westerns.

        No podemos dejar la década sin mencionar a ciertos plagiarios notables como EDWIN S. PORTER (1869 - 1941), proyeccionista convertido en camarógrafo y que llegó a jefe de producción de la EDISON, distribuidor por aquel entonces de las películas de MÉLIÉS. Está generalmente admitido que cuando PORTER  dirigió "The life of an american foreman" (1903),  tenía muy presente "Fire", pero para aumentar el interés del público, muestra a una mujer y a un  niño en peligro, saltando luego a un coche de bomberos a galope. Sin embargo no utiliza esta nueva técnica de forma original, y aunque en "The great train robbery", primer western filmado, salta desde un salón de baile a la cabina de telégrafos y de allí a la fuga de los ladrones, nuca vuelve de perseguidor a perseguido. La película, aunque basada en un hecho real, debe su existencia a "A daring dayligth robbery", película que la distribuidora  EDISON había lanzado unos meses antes. A mayor abundamiento, PORTER  había dirigido una versión de "The uncle Tom's cabin" (1903), la película más costosa producida hasta entonces en USA, realizada con el estudio de las clásicas : es decir, como cuadros plásticos animados. El público se volvió loco con "The great train robbery", ampliamente copiada e imitada hasta convertirse en la principal atracción de todos los "nickelodeones". En Inglaterra, la influencia tardó en dejarse sentir, aunque "Raid on a coiners den" (1904), resulte más elaborada que los cortometrajes que la precedieron.  Otros célebres plagiarios fueron CECIL HEPWORTH, autor de "Rescued by rover" (1905), inspirada en "The lostchild", de la misma manera que la versión de "Rescued by rover" de MC CUTCHEON, realizada para BIOGRAPH, titulada "Her first adventure", es un plagio hasta la escena final : un primer plano del perro y SHEFFIELD, quien produjo "The life of CHARLES PEACE" (1905), plagiando a PORTER y la propia versión de "A daring dayligth robbery". Todo lo anterior era cosecuencia de que en aquel momento no había ninguna ley que regulara la posesión de las películas o del material cinematográfico.