LOS "FELICES AÑOS VEINTE", EN EL CINE.PRIMERA PARTE

E D W A R D   G R I F F I T H 

S  E R G E I    M,   E I N S E N S T E I N

     LOS "FELICES  AÑOS VEINTE", EN EL CINE. (PRIMERA PARTE).

     Es imposible ignorar el efecto del cine alemán en la posguerra sobre la intelectualidad de otros países. El cine sueco, al cual pertenecía el primer maestro de la pantalla, SJOSTROM, quedó inmediatamente ensombrecido, pues era demasiado lento para los auditorios americanos. Pero en cambio, Alemania, tuvo su LUBITSCH y su "CALIGARI". Los films de LUBITSCH eran populares, y "CALIGARI", y otros, erróneamente calificados de "expresionistas", fueron  admirados desproporcionadamente en relación a su mérito; los de LUBITSCH eran históricos, los otros conectaban con el teatro y los modernos movimientos del Arte. Después de la derrota en la Guerra Mundial del 14, el Gobierno alemán perdió interés por la propaganda, pero los productores creativos habían entrevisto la ocasión de instruir e influenciar políticamente a la opinión pública, lo cual fue muy importante en el desconcertado clima postbélico de la época. Así, LUBITSCH, se lanzaba con la sátira antimilitarista , "Die bergkatze", que sin embargo fue un fracaso, pues los alemanes no estaban de humor para eso. Al  mismo tiempo, la industria cinematográfica alemana aceleraba su producción sobre temas sexuales, así como sobre las realidades de la República de Weimar, y veían la luz, "Der Reigen" (1920), con la entonces insustituible ASTA NIELSEN  y DREYER intentando el tema de la homosexualidad en "MICHAEL" (1924), tras la realización de "DIE GESETCHNETEN" (1927), dedicada  a la tolerancia de las minorías judías, como también lo haría DUPONT en "Das alte Gesetz" (1923). Pero la pieza más afectadamente artística y teatral, fuera "El Gabinete del Doctor CALIGARI", de 1920, empleando decorados y escenas abstractas como recurso, ya que había restricciones sobre la electricidad y el alumbrado, relacionándola por tanto con la cultura y la vanguardia, y como el EXPRESIONISMO era una declaración de oscuridad emocional, la película fue considerada todo eso. Pero en realidad, NO ERA EXPRESIONISMO LO QUE HABÍA EN ELLA, SINO SURREALIMO, Y ELLO, A NIVEL RUDIMENTARIO.

     Otro tema nuevo y recurrente que aparece en esa convulsa época en la que el pueblo alemán padecerá tanto las consecuencias de la pretendida "puñalada por la espalda" como gran embuste, como las derivadas de una crisis económica que sacude al país tras las reparaciones bélicas, es el del horror, presente en una fracasada "Termine", así como en "Raskolnikof", o en imitaciones de "CALIGARI", como "Torgus" (1921), o "Von Morgens bis Mitternach" (1920), que hastían al público rápidamente del Impresionismo. Mientras tanto, la industria seguirá tratando con lo grotesco y fantástico, y como la disposición del ánimo en general, tendía hacia el pesimismo, el cine atrajo a cierto número de talentos interesantes : MURNAU, con "Nosferatu"; WAGNER, con "Schatten" (1923);  LENI, en "Das Wachsenfiguren Kabinet" o "Der müde Tod" (1921), de FRITZ LANG, entre otras. LANG cosecharía éxitos como "Dr. MABUSE ADER SPIELER" (1922), en dos partes, demasiado larga para una clase de obra a la que no se concedería más de cinco minutos en televisión y sonido. Pero el éxito les hizo embarcarse en la épica : "Der Nibelungen" (1929), un film que resultó importante para animar a los novicios del partido nazi, siendo sus enormes decorados y los de "Metrópolis" (1927), los que proporcionarían la concepción del Estadio de Nuremberg, siendo así que en "Metrópolis", la dorada juventud hacía deporte en un vasto estadio y los nazis observaban con satisfacción que su loco inventor era judío, en una película de resultado final decepcionante y vacía de contenido. Nuevamente volvería el hombre que quería dominar el mundo, con "Spione" (1929), criticando las mentes directoras con palacios mazmorra, detrás de respetables fachadas de bancos, en una película con su sentido del fatalismo, de los dolores y las recompensas, anunciando ya al LANG de los últimos tiempos.

     También los films de prostitución crearían escuela, tanto como reflejo de la pobreza y la inflación galopante causando desgracia, enfermedad y muerte,  "Die Bushae von Pandora" (1928) o "Der Freudlosse Sasse", como por el contrario, mostrando con ingenio y tristeza a la mujer tratando de conservar su juventud, como en "Das Gefarhliche Alter" (1927), "Diznentragödie" , del mismo año o "Alraune", también del veintisiete, combinando el género "de la calle", con lo fantástico.

      Pero quien refleja el período con enorme precisión a través de sus películas, fue el Director ALEXANDER KORDA, un  oportunista necesario en el WEIMAR  de entonces y en la industria cinematográfica de toda la vida, sobresaliendo en su carrera "Eine DUBARRY von Heute" (1927), recordatorio de su permanente interés por los amores de los Reyes, como lo demuestra su anterior "Tragödie in Hause Hapsburg" (1924), sobre el drama MAYERLING, al tiempo que practica el melodrama en "Das Hausam Meer" (1924), contando con una técnica de lo más imaginativo. 

    En la URSS, la cinematografía oscilaría entre el montaje y el mensaje, y VLADIMIR MAIAKOWSKI, sería su principal teórico, proveniente del movimiento Futurista y quien habia realizado cortometrajes como "No se puede comprar la creación", "La señorita y el truhán" y "Aherrojado el cine", escribiendo posteriormente entre 1926 y su suicidio en 1930, algunos guiones de los que sólo dos encontrarían el camino de la pantalla. Mientras tanto, surgían los debates en la escuela Estatal de Moscú, basándose las raíces del cine soviético en la inmediatez, y lo que era más importante, el montaje. Uno de los teóricos de esta escuela sería DEIGE VERTOV, productor de "El hombre con una cámara de cine", siendo PULESCHOV, uno de los fundadores de la teoría cinematográfica, pretendiendo capta la atención del público como hacían los productores de películas hollywoodenses.

      La enseñanza de PULESCHOV y MEYRHOLD, daba sus  frutos en SERGEI  M. EINSENSTEIN, quien produjo su primera película, "La huelga" (1924), como una forma de difundir los ideales soviéticos "en pro de la dictadura del proletariado".En 1925, realizaría "El Acorazado POTEMKIN", que convierte a todos los espectadores en revolucionarios, superando las técnicas innovadoras de "La Huelga". Asimismo, en "OCTUBRE" (1928), volvió a tratar el tema de la Revolución, presentándose a veces con el subtítulo de "Los Diez Días que hicieron temblar al mundo", en un relato romántico, que en su dolor y pasión refleja el espíritu mismo de la Revolución Soviética.

     En USA, y en el año 1919, las cuatro personas más famosas del Cine, unían sus talentos para obtener unos beneficios económicos más sustanciosos: CHAPLIN, GRIFFITH, MARY PICKFORD Y DOUGLAS FAIRBANKS, inaugurando la "UNITED ARTISTS", respondida por la industria del celuloide, cerrando filas contra ellos al grito de "Los locos se han hecho cargo del manicomio". GRIFFTH, sin la presencia de LILIAN GISH, hacía películas más desfasadas y anticuadas que  nunca, retrocediendo en "América" (1924) y "La Aurora de la Vida", del mismo año, acabando su gran carrera con el fiasco de "The Strugle", tras una larga historia de fracasos. Por su parte, MARY PICKFORD, quien en su interpretación de papeles de niña adolescente, iba de la actitud de gatita ronroneante a lo grotesco, interpretaba para la U.A., "POLYANNA" (1920), dando vida, aunque ya tenía treinta años, a papeles de adolescente con edad indefinida. El público no respondió a "ROSITA" (1923), ni a "DOROTHY vernon of Haddon Hall" (1924), siendo contestada por sus admiradores en el sentido de que debiera interpretar a Cenicienta, llegando en su última película muda, "La Pequeña Vendedora" (1927), a ser una buena actriz, maravillosamente fotografiada por CHARLES ROSHER. En lo que se refiere a DOUGLAS FAIRBANKS, su vitalidad era sorprendente, en papeles de play boy básicamente decente, como en "The nut" (1921), siendo además intérprete de aventuras como "Los tres mosqueteros", en la que hacía de D'Artagnan, o "La marca del Zorro" (1920), "ROBIN HOOD" (1922) o "El ladrón de Bagdad" (1924), dentro de papeles de héroes renegados o marginados por la ley, como también lo haría en "El Pirata Negro" (1926), o "El Gaucho", de 1927. En cuanto a CHAPLIN, en 1921 cosecha un gran éxito con "The Kid", obra que se transforma inmediatamente en un clásico del cine, tomándose muy en serio la cuestión de su prestigio a través de "Vacaciones" (1921), "Día de paga" (1922), "El Peregrino", del mismo año, siendo su primera película para la UNITED ARTISTS, "Una mujer de París" (1923), pero mostrando nuevamente sus genialidades en "La quimera del Oro", de 1925, interpretando el papel de un vagabundo que se marcha al helado norte en busca del aurífero metal.

       

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