lunes, 30 de diciembre de 2019

CINE DE LOS TREINTA (TERCERA PARTE)

    CINE DE LOS AÑOS TREINTA  (TERCERA PARTE)


    En Francia, RENÉ CLAIR, representaba la reanudación de una producción industrialmente normalizada con su comedia populista, "Bajo los techos de París", en 1930, y con su celebrada farsa, "El Millón", de 1931, su sátira, "Viva la Libertad" (Á nous la liberté"), en el  ismo año, y finalmente, con "14 de Julio", rodada en 1933.

   El afianzamiento comercial del cine galo se revela con títulos de gran éxito, como "Carnet de Baile", realizada con sketches por JULIEN DUVIVIER y la recreación irónica de la ocupación española en Flandes, expuesta de manera jubilosa en "La Kermesse Heroica", de JACQUES FEYDER.


   Sin embargo, la personalidad más vigorosa de la primera década del sonoro, fue JEAN RENOIR, autor de "La Golfa", en 1931 y "Toni", en 1934, película ésta última, muy del estilo precursor del Neorrealismo italiano. RENOIR, muy avanzado a su tiempo en su tratamiento realista de situaciones y personajes poco convencionales, destaca con extraordinarias películas como "Le Crime de M. LANGE", de 1936, presentada bajo una óptica izquierdista que revela su adhesión al Frente Popular; "La Gran Ilusión", de 1937, "La Marsellesa", del mismo año y "La Regla del Juego", de 1939, película víctima de la incomprensión del público a causa de su modernidad, prohibida al comienzo de la II Guerra Mundial, al ser considerada como desmoralizante.

      Esta orientación realista de RENOIR no fue una excepción en el Cine Francés, pero su género más significativo en la anteguerra, estuvo compuesto precisamente por dramas y tragedias populistas y en ambientes suburbiales, a medio camino entre un pesimismo existencialista y un naturalismo arrabalero impregnado de negra poesía : "El signo de la Muerte" (1933) de JACQUES FEYDER y "Pepe le Moko", ambos de escenarios coloniales; "Quai des brumes", en 1938, donde MARCEL CARNÉ impuso a la pareja de JEAN GABIN y MICHÉLE MORGAN; "Le jour se léve" (1939), donde CARNÉ vuelve a colaborar con JACQUES PRÉVERT poeta del cual había adaptado un guión  para la primera película, filmes todos ellos que constituyeron un involuntario espejo poético de la crisis de la década, a punto de desembocar en una feroz contienda mundial.

       En cuanto al Cine soviético, no inició su andadura en el sonoro hasta disponer de equipos acústicos propios, en 1931. El primer éxito fue "El Camino de la Vida", de NOKOLAI EKK, sobre la reeducación de las bandas de los niños delincuentes al final de la Guerra Ckivil, mediante el trabajo en la construcción de una vía férrea. Se respondía así a las exigencias industriales y productivistas de "La edificación del Socialismo" al término del Primer Plan Quinquenal y a la reorientación de la programación artística hacia la fórmula del Realismo Socialista , de intención didáctica y ejemplarizante.

      El ejemplo de la nueva orientación, película elogiada por STALIN, fue "TCHAPATIEFE, el guerrillero rojo" (1934), de SERGHEI  y GEORGI VASSILIEV, biografía de un héroe de la Guerra Civil, que mostraba cómo sus carencias ideológicas eran recompensadas por un comisariado político.

         Continuaron posteriormente las biografías "ejemplares" de héroes socialistas constituyendo un verdadero filón creativo, del que son muestras significativas, "El gran ciudadano" (1939), de FREDERIJ ERMLER;  "El Diputado del Báltico", de 1937, obra de ALEXANDR ZARHI y JOSIF JEIFIN; "LENIN en Octubre" (1937), de MIJAIL ROMM; "Schora" (1939), dedicada a TIMIRIAZEF, héroe de la Guerra Civil en Ucrania, cuya gesta fue relatada por ALEXANDR DOVJENKO, o la trilogía de GORKI : "La infancia de MÁXIMO GÖRKI (1938); "Mi aprendizaje" (1939) y "Mis Universidades" (1940), de MARK DONSKOI.

        SERGEI EINSENSTEIN, aportó su grano de arena tras una larga etapa improductiva, con "ALEXANDER NEVSKY", su primera película sonora, en recuerdo del caudillo ruso que en el siglo XIII derrotó a los Caballeros Teutónicos, considerada como una advertencia de lo que les podría pasar a los nazis si intentaban invadir la URSS : "Aquéllos que vengan a nosotros por la espada, perecerán por la espada".

        En cuanto al Cine Británico, fue objeto de una legislación fuertemente proteccionista, lo cual estimuló su renacimiento a comienzos del sonoro. Su gran artífice fue el productor de origen húngaro ALEXANDR KORDA, quien realizó la sátira "La vida privada de ENRIQUE VIII" (1933), a la medida de CHARLES LAUGHTON, en una película llena de humor y culminada con una interpretación magnífica ofreciendo una Inglaterra plena de valores tradicionales. 

       KORDA, atrajo, a mayor abundamiento, a directores extranjeros para la producción británica : autores como RENÉ CLAIR, VICTOR SJÖSTROM, JACQUES FEYDER, WILLIAM CAMERON MENZIES, del que su más celebrado desastre fue "I. CLAUDIUS"...Entre los Directores autóctonos, destacaba con luz propia ALFRED HITCHCOCK, con "El Hombre que sabía demasiado"(1934), "39 Escalones" (1935), O "Alarma en el Expreso" (19389, desplegando su talento en filmes de intriga criminal, siendo los puntos de apoyo de este último, el objeto aparentemente ordinario pero que resulta tener una significación siniestra, y el escenario espectacular para la usual pelea. 

     En la España de "Delenda est Monarchía " (ORTEGA), GARGALLO  realizaba "Retrato de GRETA GARBO". Los españoles DALÍ  y BUÑUEL, ambos autores del libreto de "L´Age  D'Or". film financiado por el Conde de  Noailles, veían prohibida su proyección en París por culpa de la Comisión de Censura (1930). El mismo BUÑUEL, realizaba, financiada por R. ANCÍN, uno de sus amigos anarquistas, "Las Hurdes, tierra sin pan (1932). MAE WEST, descollante en "Nacida para Pecar", estrenaba en el Coliseum en 1935....Y LA "GUERRA INCIVIL" estallaba en julio de 1936, para acabar con la legitimidad Republicana.
    
"N A C I D A   P A R A    P E C A R"

M  A  E      W  E  S  T 
" ´Á    N O U S    L A     L I B E R T É"
     
R  E  N  É        C  L  A  I  R  

viernes, 27 de diciembre de 2019

CINE DE LOS TREINTA (SEGUNDA PARTE)

        CINE DE LOS AÑOS TREINTA (SEGUNDA PARTE).


        Sin embargo, a causa de la Depresión del 29, aparecieron algunos filmes impregnados de preocupación social, como "Soy un  fugitivo", de 1932, en el cual MERVIN LE ROY  denunciaba las condiciones de la vida penitenciaria, así como "Furia" (1936), y "Sólo se vive una vez" , del mismo año, dos películas acerca de la violencia de la sociedad americana y de la fragilidad de su justicia.

      Contrastando con estos planteamientos críticos, las edulcoradas películas plenas de intentos de evasión o esperanza, de FRANK CAPRA - el único director verdaderamente conocido por el gran público - inspiraban títulos como  "Sucedió una noche" (1934) - LA PRIMERA PELÍCULA QUE RECIBIÓ VARIOS OSCARS - "comedia brillante, de ritmo rápido y sugestiva interpretación", "El secreto de vivir" (1936) - la mejor y más representativa del decenio - , "Vive como quieras" (1938) - "una oportunidad para vivificar en un drama el "Amarás a tu prójimo" - "Horizontes perdidos" (1937), "Caballero sin espada" (1939) - representación de un KAFKA  que veía en USA  el país de los hombres libres - dentro de una imagen ilustrativa de las "inefables "  supuestas virtudes del sistema político y económico norteamericano, IMAGEN SONROSADA Y "EJEMPLARISTA" QUE SE VIO REFORZADA CON LA ENTRADA EN VIGOR EN 1934, DEL CÓDIGO HAYS DE AUTOCENSURA DE 1931.

      Entre los pocos cómicos supervivientes del Cine Mudo que basaban su arte en la pantomima, destaca CHARLES CHAPLIN, quien realiza su primer largometraje sonoro con "Luces de la Ciudad", criticando mordazmente la crisis económica, la alienación y despersonalización colectiva, el gregarismo, el taylorismo y la condición obrera en "Tiempos Modernos", de 1936, según sus palabras en "un impulso de decir algo sobre el modo en que la vida se está uniformando y canalizando y en que se está transformando a los hombres en máquinas", aunque los críticos señalaran enseguida las semejanzas de este film con la película de RENÉ CLAIR, "Á Nous la liberté". También descollaría en este apartado , W.C. FIELDS, nuevamente famoso gracias a un programa de radio en el que trabajaba con el muñeco CHARLEY MAC CARTHY y el ventrílocuo EDGARD BERGEN, y sobre todo, los devastadores Hermanos MARX, de comicidad parasurrealista, inventándose a sí mismos, con películas como "Sopa de Ganso" (1933), "Una Noche en la Ópera" (1935), "Un día en las carreras" (1937), "Una tarde en el Circo" (1939), o "Los Hermanos MARX  en el Oeste", ya en el año 40.

    
       Junto a este humor corrosivo, los dramas y comedias sentimentales actuaban como potentes vehículos de ensoñación colectiva, con mitos como GRETA GARBO  en "Mata - Hari" (1932), "Grand Hotel", del mismo año, o "SUSAN LENOX" de 1935, así como MARLENE DIETRICH la paradigmática "femme fatale", introducida por VON STERNBERG, autor de "Morocco" (1930) y "Fatalidad" (1931), en ambas tanto de cantante de cabaret como de prostituta de la calle, así como "Capricho Imperial" (19349, sin olvidar la expresión más gloriosa de lo descaradamente amoral, personificado en la inmortal MAE WEST.  

        Otras grandes figuras de matiz romántico y decadente, serían en esta época, JOAN CRAWFORD y JEAN HARLOW  (la que mundializaría el rubio platino, al tiempo que provocaba indirectamente el aumento de los accidentes automovilísticos en USA, al imitar las jovencitas "bien", su caída sobre el ojo de un provocativo mechón ondulado de su cuidada cabellera), mientras en el sexo opuesto se consolidaban, GARY GRANT, como héroe de corazón insobornable y el machismo dominante personificado por el "Rey", CLARK GABLE.

          Bajo este signo de alienante y amable evasión, se desarrollaba el Cine Musical, importado de los espacios revisteriles de BROADWAY. Triunfaba en este género, ERNEST LUBISTCH, con "El Desfile del Amor", interpretada por MAURICE CHEVALIER y JEANNETTE MC DONALD, culminando en su fórmula arrevistada con "La Calle 42". Sobresalen por su especial relieve en este campo, la pareja que entre 1933 y 1939, formaron los bailarines FRED ASTAIRE Y GINGER ROGERS - que no fue la mejor bailarina de la historia del Cine, pero sí la mejor pareja de ASTAIRE -  con titulos como "Tophat" (1935), "Carefree" (1939), "Foll the fleet", etc...


        La eficaz organización industrial hollywoodense facilitó la constreñida calificación de sus géneros, entre los que sobresale el de aventuras, tanto en tierras coloniales como en el océano o en el espacio aéreo recién conquistado, con ejemplos como la figura de TARZÁN representada por el legendario JOHNNY  WEISSMULLER  y por  MAUREEN O'SULLIVAN, abriendo el camino a una serie de películas que posteriormente serían mitificadas, como "TARZÁN de los Monos" (1932), dirigida por VAN DYCKE o "TARZÁN y su compañera" (1934), de CEDRIC GIBBONS, así como filmes como "Rebelión a Bordo" (1935), de FRANK LLOYD, "Gunga Din", tomando el poema de KIPLING como punto de partida, dirigida por GEORGE STEVENS (19399, o "Sólo los ángeles tienen alas", del mismo año y de HOWARD HAWKS.

          Un nuevo género lo constituyó el Cine de Gangsters, pues el sexo, el crimen y la prohibición del alcohol son determinantes en los 30, inspirado en la crónica negra de tales años, con títulos como "El enemigo Público nª 1" (1931), de WILLIAM WELLMAN, con JAMES CAGNEY , uno de los clásicos del género; "Hampa Dorada" (1931), de MERVIN LE ROY, con EDWARD G. ROBINSON ; "Scarface, el terror del hampa", film de HOWARD HAWKS, de 1932, y con PAUL MUNI inspirado en la carrera criminal de AL CAPONE; "Contra el Imperio del Crimen" (1935), de WILLIAM KEISHLEY ; "Ángeles con caras sucias" (1938), o "Los Violentos Años Veinte" (1939), de RAOUL WALSH . Esta filmografía emergía como consecuencia de la incidencia revolucionaria que la prohibición había ejercido en los comportamientos sociales de la década anterior, y los excesos protagonizados por la llamada "Generación Perdida". El gangster se convertía en no pocas ocasiones en  una especie de ROBIN HOOD  (muchas veces de origen latino), que se rebelaba contra el puritanismo protestante de la América de la catástrofe económica. 

         Se consolida asimismo el género terrorífico - también como consecuencia de la Gran Depresión y sus resultados negativos a nivel "mundialcapitalista" - con clásicos como "FRANKENSTEIN", de JAMES WHALE, con BORIS KARLOFF reemplazando a BELA LUGOSI (1931); "DRÁCULA" del mismo año, de TOM BROWNING, director de "La parada de los monstruos", y con BELA LUGOSI sustituyendo  a LON CHANEY (1932); "La Momia" del mismo año, de KARL FREUND , también con BORIS KARLOFF; "Satanás" (1934), de GODARD GULNER, con KARLOFF y LUGOSI; "El Hombre Invisible" (1933), de R. C. SHERIFF , sin olvidar la que pudiéramos considerar cima del género fantástico - terrorífico, "KING - KONG", de ERNEST B. SHOEDSALK y MERIAN C. COOPER, con un gigantesco mono como parábola de un capitalismo supuestamente tocado de muerte por el CRACK, agonizante a los pies de la Catedral del Dinero, el EMPIRE STATE BUILDING, en una secuencia que ha quedado en los anales del cine y en la memoria de los espectadores, como uno de los momentos más impactantes nunca filmados. LA HISTORIA ES INVEROSÍMIL, LAS REACCIONES SON HISTÉRICAS, EL PROPIO KING - KONG MEDÍA 45 CENTÍMETROS, Y LA  FAY  WRAY  QUE LLEVA EN LOS BRAZOS ES UNA MUÑECA INANIMADA, pero desde que aparece el gran mono, el interés no decae un solo momento.

          Otros autores cinematográficos elevaban su particular personalidad creativa por encima de las estereotipadas  y arquetípicas fórmulas hollywoodenses. Incluiremos a KING VIDOR, atraído por el folklore negro en "Alleluyah!", preocupado por la crisis agraria en "El Pan nuestro de cada Día" (1934). A JOHN FORD en "La Diligencia", (1939), maestro en el tratamiento del western, y "Youg Mr. LINCOLN", del mismo año. así como a WILLIAM WYLER, con magníficas adaptaciones literarias y teatrales como "Desengaño" (1938), de SINCLAIR LEWIS; "Jezabel" (1938), de OWEN DAVIS, quien iniciaba así la colaboración con la incomparable e inquietante BETTE DAVIS, sin olvidar "Cumbres borrascosas", de la novela de EMILI BRÓNTE. Todo ello sin dejar de añadir la adaptación literaria más celebrada, que fue la basada en la novela racista "GONE WITH THE WIND", de 1939, ("Lo que el Viento se Llevó"), que impuso el procedimiento Technicolor - aunque el inicio del color se remitía a la animación de dibujos y tenía precedentes en "Becki Sharp" (1935) y en "The dancing pirate", de 1936 - y consagró a esta larguísima película como un  mito universal de la Cinematografía. 

       Sería en USA donde también se consagraría universalmente la filmografía de DIBUJOS ANIMADOS por parte del siniestro denunciante de izquierdistas y colaborador ferviente del macchartysmo, WALT DISNEY,  quien iniciaba su producción de largometrajes con "BLANCANIEVES  y los Siete Enanitos", en 1937, siendo también dignos de mencionar, los Hermanos DAVE y MAX FLEISCHER, responsables a su vez, de BETTY BOOP y de POPEYE. 
CARTEL   DE  "LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ"

CARTELERA  DE   "KING   KONG"
J A M E S     C A G N E Y 
     
E D W A R D  G.   R O B I N S O N 

miércoles, 25 de diciembre de 2019

CINE DE LOS TREINTA (PRIMERA PARTE)

M A R L E N E     D I E T R I C H
E L     Á N G E L     A Z U L
M,   E L   V A M P I R O    D E    D U S S E L D O R F F
F R I T Z       L A N G 

     CINE DE LOS AÑOS TREINTA (PRIMERA PARTE)

      La Década de los años Treinta en el Cine, casi es coincidente con la aparición del Sonoro, pues en 1929 se produjo en los países industrializados el tránsito definitivo desde el Cine Mudo, tras el tremendo éxito comercial de "El Cantor de Jazz", de AL JOHNSON, en 1927, y de los precedentes de "D. Juan", de WARNER, en 1926 y de "What price Glory", de la FOX.


   Los países que se colocaron a la cabeza fueron los Estados Unidos y Alemania, a causa de que las patentes industriales del nuevo cine se encontraban en manos de empresas de estas naciones, y este nuevo cine encontrará su identidad artística tras el breve período de crisis estética derivada de la rígida inmovilidad de la cámara impuesta por su recubrimiento con pesados blindajes insonoros y del torpe sometimiento de la imagen   a la sincrónica longitud de sus abrumadores diálogos y canciones.

   En Alemania, con algunos de sus mejores actores (EMIL JANNINGS, CONRAD VEIDT), recuperados de HOLLYWOOD a causa de su deficiente inglés, el nuevo medio triunfa clamorosamente con "Der Blaue Engel"  ("El Ángel Azul", 1930), de JOSEF VON STERNBERG, y con la esplendorosa interpretación de MARLENE DIETRICH,  hasta entonces una estrella menor, en un papel de provocativa cantante de cabaret - LOLA - LOLA - que arrastrará a la ruina moral a un severo y maduro profesor, para el que el mundo de la cabaretera está fuera de su alcance, y sus ligas, que debieran estarlo, se revelan al mundo. PARA MUCHOS FUE EL RETRATO FÍLMICO DE LA DECADENCIA URBANA DE LA REPÚBLICA DE WEIMAR.  

    En vísperas de la llegada del nazismo al poder, el cine alemán conoció un período de gran fecundidad estética y democrática, con una militancia que alcanza un clímax culminante en "Küle Vampe", de 1930, película de SLATAN TH. DURROW, rodada en la colonia berlinesa de barracones de ese nombre y ocupados por obreros en paro. 

       El cine de evasión alemán encontró también una fórmula eficaz en películas musicales y operetas, con su apogeo en "El Congreso se divierte", de ERIC CHARELL. En el reverso ideológico se sitúa la obra de GEORGE WILHEIM PABST, autor del alegato pacifista "Westfront" ("Cuatro de Infantería"), pretendiendo relanzar el tema de que "Todos los hombres son hermanos", y artífice al mismo tiempo de la obra de BRECHT, reflejo de la época de un Berlín iluminado con engañosos brillos de desesperada alegría, "La Comedia de la vida" y de la crítica rigurosa de una catástrofe minera  - en una película eliminada por los distribuidores - como "Kameradschaft" (Carbón), de 1931, dirigida a trabajadores franceses y alemanes en un ambiente profundamente delicado para ALSACIA - LORENA. 

        A esta corriente de realismo social, puede adscribirse también "Hampa" ("Berlin Alexanderplatz",  (1931), obra de PUIL JUTZI, que no puede compararse con la novela de ALFRED DÖBLIN, al tiempo que LEONTINE SAGAN  enmarcaba sus "Muchachas de Unkiforme" (1931), en un represivo internado para hijas de la aristocracia donde se describían las violentas pasiones entre alumnas y profesoras, aunque hubiera pocos críticos que se atrevieran a mencionar su latente lesbianismo.  

         Cuando la degeneración de la sociedad alemana hacía presentir su caída hacia el nazismo, FRITZ LANG utilizqba las fórmulas del cine criminal y de intriga para ofrecer dos sabias parábolas acerca de tal amenaza "M. O EL VAMPIRO DE DUSSELDORF" , en 1931, y "EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE", en las que la alianza entre la policía y el hampa, sirven para capturar al primero - asesino de niños - en una variante antidemocrática de "GUERRA SUCIA", en la que algunos críticos apuntan una crítica al sistema nazi y el ascenso al poder de HITLER, mientras en la segunda cinta, el genio del mal, es el  jefe de una poderosa red criminal teledirigida por hiptonismo : HIPNOTISMO QUE MÁS TARDE EJERCERÍA HITLER SOBRE LAS MASAS RACISTAS Y XENÓFOBAS. 

        El ascenso del nazismo al poder, determinaría el exilio de LANG, PABST, MAX REINHARDT, CONRAD VEIDT, MAX OPHULS, ERICH POMMER, SEYMOUR NEBENZAN, PETER LORRE, OSCAR HOMOCKA, LEONTINE SAGAN, RICHARD OSWALD, BILLY WILDER, ANTON WALBROOK, FRED ZINNEMANN, GERHARD y ROBERT SIODMARK, cuya primera película fue "Morgenrot" (1933), etc., mientras el Ministerio de Propaganda , a partir de ese mismo 1933, conducía a EXALTACIONES HISTÓRICO - PATRIÓTICAS DEL GUSTO DE GÖEBBELS, como "El Rey Soldado" (1935), de HANS STEINHOFF, o PROPAGANDA ANTIJUDÍA OFENSIVA, como "El Judio SUSS", de 1940, de VEIT HARLAN, autor de dramas sentimentales realizados con el nuevo procedimiento AGFACOLOR, protagonizada por FERDINAND MARIAS, quien sería interrogado por los aliados tras la guerra y acabaría suicidándose. El productor WERNE HOCHBAUM, realizaría media docena de películas para los nazis, que no pasarían de mediocres, mientras MARIKA ROKK era lanzada en 1934 por el cine alemán aprovechando su belleza.

           En otro orden de cosas y a pesar de su propagandismo, los documentales de RENI REIFENSTAHL, como "El Triunfo de la Voluntad" (19339, sobre el congreso del Partido Nazi en NUREMBERG, habido lugar en 1934 y "Olimpiada" (1938), sobre los Juegos de Berlín del 36, con UN CANTO A LA SUPERIORIDAD DE LA RAZA ARIA, alcanzarían una especial brillantez.

           También el Cine Fascista Italiano recibió un impulso con la creación del Centro Sperimentale de Cinematografía,  en 1935, y de los Estudios de Cinecittá, en 1937, que eran los mayores de Europa. Pero no ofrecieron interés artístico alguno, ni los espectaculares filmes como "Scipión el Africano", de 1937, de CARMINE GALLEONE, ni tampoco las exaltaciones epopéyicas coloniales del Fascio, como "El Escuadrón Blanco", de AUGUSTO GENIMA..

          El Cine Norteamericano, por su parte, consolidaba su función de "Fábrica de sueños" para sus ciudadanos y confirmaba su predominio comercial sobre el resto de mercados mundiales, gracias a las euforizantes y vistosas cintas musicales nacidas con el sonoro, junto a sus filmes de acción y aventuras y a sus comedias : CLARK GABLE, JAMES CAGNEY, SPENCER TRACY, BETTE DAVIS, KATHERINE HEPBURN, HUMPHREY BOGART, JAMES STEWART, HENRY FONDA, no se convirtieron en famosos, aunque todos ellos provenían del  Teatro, HASTA QUE TRABAJARON EN EL CINE.  

        

viernes, 22 de noviembre de 2019

LOS FELICES AÑOS VEINTE EN EL CINE. (SEGUNDA PARTE)

L U I S     B U Ñ U E L
P O L A   N E G R I
R O D O L F O      V A L E N T I N O
LOS FELICES AÑOS VEINTE EN EL CINE (SEGUNDA PARTE)



     Mientras tanto, BUSTER KEATON  era admirado y querido por el público, pero de la crítica sólo conseguía las migajas que dejaba CHAPLIN. Pasó al Cine por casualidad, invitado por ROSCOE (FATTY) ARBUCKLE, (siendo conocido como "Pamplinas"), en 1920, con "The Saphead". Tras una serie de películas en las que se diferencia de CHAPLIN a causa de su fatalismo y de que su sociedad es activamente hostil sin  ningún motivo real, realizará la película con trenes más divertida con "El Maquinista de la General", en 1926. "College" sería la más importante de sus producciones y entrará en decadencia tras "The Cameran" (1928) y "Spite mariage" (1929), quedando evidenciado el desgaste de su creatividad e imaginación.

    El tercer payaso de los grandes del Cine Mudo y el segundo mejor de ellos, sería HAROLD LLOYD, (de famosísimas gafas sin cristales), con  gran fascinación hacia el cine desde antes de cumplir veinte años. Pródigo en recursos cómicos, ("gags")  presentaba una apariencia suave y sus gafas desmentían su habilidad para burlarse de la autoridad y de las personas que le rodeaban.  Disfrutaba de tan gran éxito de público, que ello le estimuló para añadir un tercer rollo a sus películas. Films como "El Hombre Mosca" (1923), "Casado y con suegra" (1924) y "El Tenorio tímido", del mismo año, así como "El estudiante novato" y "El Hermanito" (1928), además de ser muy características de su hacer, le mostrarían  - sobre todo las últimas - como un cómico de ideas victorianas. Todo ello sin olvidar que en  1927, habian aparecido STAN LAUREL y OLIVER HARDY, como "El Gordo y El Flaco".

    Un caso aparte, por tratarse de un productor de Cine, sería VON STROHEIM, que, nacido en Viena, llega a USA en 1906 . Los críticos enseguida lo ensalzarán y "Los amores de un príncipe" (1923) y "Gred" (Avaricia), del 24, le conferirian una estimable reputación como realista, aunque fuera fundamentalmente un romántico. En 1925 realiza "La Viuda alegre", tomada de la opereta, elongada por la secuencia del vals en toda su extensión y en la que resultaban un  alivio los uniformes, mientras la filmación de "La Reina KELLY" sellaba su carrera profesional. Aquéllos que arruinaron su carrera como Director, fueron tanto la arrogancia y su pertinaz empeño con la extensión de los films, como su persistente erotismo, provocando una desaparición - sin duda alguna merecida de acuerdo con las normas que regían la vida de la industria cinematográfica - , pero que sin embargo fue un duro golpe para la libertad de los artistas.

    Otros films que resultaron en esta década mun significativos, a veces a causa de las estrellas que los interpretaron, fueron, "Sangre y Arena" (1922), lo mismo que "Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis" y "El Jeque", con  el admiradisimo RODOLFO VALENTINO, quien impondría su engominamiento capilar y su boquilla, representando lo elegante y pecaminoso del nuevo siglo, de mudable moral, aunque en el fondo, protagonista afeminado y decadente en "La Dama de las Camelias". Protagonizaría también "The covered wagon" (La Caravana del Oeste), de 1923, o "Los Diez Mandamientos", en el mismo año, de CECIL B. DE  MILLE como Director, con efectos especiales como la apertura del Mar Rojo, obtenida filmando dos recipientes con agua mientras se vaciaban, en una película que señalaba la decadencia de DE MILLE  y su predilección por la grandiosidad; "Beau Geste" (1926), sobre tres hermanos que se enrolan en la Legión Extranjera al desaparecer una piedra preciosa; la versión de "Ben Hur" , de 1925, en un momento en que el cine mudo había muerto, rodada en Italia en unas condiciones caóticas, pero sin  que ni el combate naval  ni la carrera de cuadrigas, decepcionaran. Sería filmada con uso intermitente del Technicolor y de éxito garantizado con un RAMÓN NOVARRO, cuyo origen latino y apariencia física le convirtieron en un segundo VALENTINO, aunque de cualidades interpretativas superiores al primero.  

    Nuevamente DE MILLE  se convertiría en soberano indiscutible en "Rey de Reyes" (1927), estrenándola en la Royal Opera House, en un film "en el que María Magdalena es la amante de Iscariote, que ha pasado a ser un ambicioso seguidor de JESÚS, porque creía que iba a ser rey y a gratificarle con dinero y altos cargos". Al mismo tiempo, iba llegando el final del Cine Mudo con "La frágil voluntad" (1928), con GLORIA SWANSON; "El Ángel de la Calle", del mismo año; "Sun Rise" (Amanecer), o "City Girl" (El pan nuestro de cada día), estrenada en 1931, para perecer inmediatamente en el mundo del cine hablado. Y estrellas como CLARA BOW, se convertían en el arquetipo de las mujeres de la época, alegres y vivarachas - estamos en los "Felices Años Veinte", de vertiginosas ganas de vivir, mientras el "American way of Life", pretendía exportarse al mundo en contraposición a la "Tristeza" de la Revolución soviética  - emancipadas, muy femeninas y con una grqn confianza en sí mismas. De esta manera, THEDA BARA, se convertía en la Primera "Vamp", por hacer el papel de vampiro en "Fool There Vas", acuñándose el término para calificar a las mujeres hermosas devoradoras de hombres (ALIA NAZIMOVA, POLA NEGRI y la ya mencionada GLORIA SWANSON, serían las más importantes "vamps" de HOLLYWOOD) . Por su  parte, LON CHANEY, de padres sordomudos y de grandes dotes para caricaturizarse, se convertiría en el paradigma de personajes de apariencias monstruosas, como en "El Jorobado de Nôtre Dame (1923) o "El Fantasma de la Ópera" (1925), así como "DRÁCULA", en una versión que más tarde sería seguida por BELA LUGOSI y BORIS KARLOFF. Al tiempo, GRETA GARBO, se convertiría en la más grande estrella de la época, realizando "El Torrente" (1926) y "El Demonio y la Carne" (1927)y  quien acabaría conquistando al público y a la crítica americana con "Tentación" (1929), permaneciendo la ya citada "Flesh and the Devil", en versión muda, mucho después de que otras estrellas hablasen, hecho que se repetiría en "The Kiss" , en 1929, en la que encarnaría a una adúltera asesina. 

      Este cine americano, convertido en gran  industria, conquistaba el mercado mundial, y las gentes de estos "Felices años Veinte", cautivadas por lo que se llamó "La Fábrica de Sueños", incorporaban a su repertorio de necesidades vitales, frecuentar un espectáculo - el Cine - a una escala desconocida hasta entonces. La influencia sería tal, que sólo por la creación de una idolatría sin fronteras, podía aceptarse que la ya citada MARY PICKFORD - de origen americano - pudiera ser llamada "La Novia del Mundo", así como que astros como JOHN BARRYMORE, entraran dentro del nuevo montaje comercial conocido como publicidad, y que GRETA GARBO,  fuera conocida como"La Divina", así como que CLARA BOW - encarnación de la flapper (rodillas descubiertas, pelo corto "garçon" y boquita de piñón) - pasara a ser la representación de los Años Veinte (de unas mujeres que además de fumar y bailar con las piernas al aire cubiertas de medias de cristal el charlestón, también bebían como una forma más de transgresión); que DOUGLAS FAIRBANKS o RODOLFO VALENTINO, ("RUDY il Bello")  - arquetipo del seductor y apasionado amante, perfecto "Latin Lover", cuya muerte (1926), a los 31 años, a causa de una úlcera gástrica, desencadenaría auténtica histeria entre sus admiradoras "viudas", pues era el hombre más deseado del planeta - fueran mitos de una época edificada sobre los noticiarios, la propaganda y la prensa, al tiempo que CHAPLIN ironizaba a costa del sistema y del país que exaltaba al triunfador como a un semidiós, mientras él, por contraste, había encarnado al paria. 

     A esta atracción por las estrellas, no sería ajeno el hecho de aparecieran las primeras manifestaciones de rebeldía juvenil, siendo el automóvil, la radio y el Cine, piezas básicas en ese conflicto generacional que se produciría durante este período. Unas manifestaciones que se verían identificadas con las conductas de desafío hacia las costumbres tradicionales por parte de los artistas rebeldes a causa de su hedonismo y de su narcisismo, socavando - el ambiente liberal y promiscuo de Hollywood, divulgado frenéticamente por la publicidad - los valores y pautas de conducta establecidos en un mundo postbélico, que había hecho saltar por los aires lo que se había dado en llamar "Belle Époque", agudizando la tensión entre modernos y antiguos y desintegrando los parámetros costumbristas y culturales establecidos por la conservadora sociedad norteamericana. Emergerían la Ley Seca, las tensiones raciales y el fundamentalismo religioso, siendo para los jóvenes inconformistas el alcohol, (prohibido y obviada tal prohibición por el gangsterismo), un desafío cultural. Sería precisamente este gangsterismo el que formaría parte de una brillante etapa de obras hollywoodenses , al convertirse en otra forma de violación de las normas policiales establecidas (el Chicago de AL CAPONE, de DIAMOND JIM, de JOHNNY TORRIO, resultarían ejemplos significativos). A todo lo anterior, añadir , en este año de "La Gran Depresión" (1929), el "invento" de los OSCAR - nombre del tío de MARGARET HERWICK, bibliotecaria de la Academia de Artes Cinematográficas de HOLLYWOOD - siendo los primeros galardonados, EMIL JANNINGS y JANET GAYLOR. Y que el año anterior, había "nacido" el ratón más famoso de la Historia : MICKEY MOUSE 



       En Gran Bretaña, mientras tanto, y a causa, tanto del desgaste que había producido la Primera Guerra Mundial, como al hecho de que los empresarios no se hicieran una competencia despiadada , pues eran casi todos aficionados y gentes del teatro - y sobresaliendo, en todo caso, el único pionero que todavía era una potencia en la industria (HEPWORTH ) - no se alcanzaron los niveles que exigían los públicos norteamericanos o, a decir verdad, los del propio país. Sobrevivieron a todos estos inconvenientes, MICHAEL BALCON y HERBERT WILCOX, como productores, al tiempo que ALFRED HITCHCOCK, anteriormente primer guionista de BALCON y quien se había iniciado en el cine como escritor de rótulos de películas, hacía su entrada como Director, con grandes habilidades aprendidas en Alemania : "El Jardín de la Alegría" (1926) y "El Inquilino", del mismo año, le impulsarían a realizar "Downhill" (1927) y "Easy Virtus", llevando las obras de NOEL COWARD  al Cine, a pesar de que sus comedias solían escandalizar a las gentes del East End : "The Vortex", sobre drogas y sexo, o la ya citada "Downhill", de moralidad pretenciosa y anticuada, en comparación con las películas norteamericanas.

     En Francia, predominaba un Cine Realista, encontrándose a la cabeza de los cineastas,  LOUIS DELLUC, aunque su falta de representación en los archivos, parece confirmar la escasa impresión que causó en su momento. Obras como "L'Agonie des Aigles" (1920); "L'Homme du large" , del mismo año;  "El Dorado" (1921); "El Difunto Matías Pascal" (1924), son algunos de los botones de muestra, siendo L'HERBIER, el más preocupado por las clases trabajadoras en sus películas : "El Dinero, que resultaría  una copia descarada de las películas soviéticas, y por contraste, derivando hacia el conservadurismo en sus films sonoros, siendo por tanto, "L' Argent", el que marcaría el final del movimiento "Impresionista" en el cine francés. RENÉ CLAIR, acabaría eclipsando a L'HERBIER y representando excepcionalmente el movimiento : "Paris dormido" (1924), es una ojeada retrospectiva al cine de LUMIÉRE, MÉLIÉS y ZECCA ; "Le Fantôme del MOULIN ROUGE" (1925), sería su película de larga duración y la primera destinada a las salas comerciales; "Voyage Imaginaire" (1925), otro homenaje a MÉLIÉS; "Un sombrero de paja de Italia" (1927), la que supuso su florecimiento y "Los Tímidos" (1928), obra muy a gusto de CLAIR, que no revelaría su genio hasta que hiciera sus primeras películas sonoras en los años treinta.

    Otro señero Director sería JEAN RENOIR, quien se iría configurando en esa especie de vaivén en que se mantendría hasta que fue aclamado universalmente, ya en su vejez. "La fille de l'eau" (1924), "Naná" (1926), "Charlestón", del mismo año; "Marquitta" (1927); "La cerillerita" (1928) o "Tire - au - flanc", fueron algunos films que en la época realizara. Mientras tanto, otros cineastas franceses copiaban y experimentaban y el aragonés LUIS BUÑUEL - en aquel entonces en Francia - realizaba "Un chien andalou", de argumento escrito junto con DALI, siendo un film representativo del surrealismo, "escandalizando y causando gran sensación al mismo tiempo"; ABEL GANCE  obtenía fama con "NAPOLEÓN" (1927), de cinco horas de duración y CARL DREYER exploraba también la Historia con "La Passion de JEANNE D'ARC" (1928), dejando bien claro que hubiera preferido hacer la película con sonido, convirtiéndose en uno de los pocos cineastas que acogieron bien el cambio.  Un cambio que aparecería con "El cantante de Jazz", protagonizada por AL JOHNSON  en 1927, año en que CHAPLIN, acusado por su mujer LITA GREY, era vetado por las distribuidoras.

    Y en ESPAÑA,, el Cine Mudo con la PERLA BLANCA, la BERTINI, la CAVALLIERI y CHARLOT, con quien se codearía la gran RAQUEL MELLER. Y el impagable VALLE INCLÁN, escribiendo , al referirse a CHAPLIN : "Ese Charlot, tan ponderado, es algo más insoportable que aquel D. Genaro el Feo. Los gestos son el lugar común de los malos actores." Mientras, en Logroño, en cuanto a Cines, el "FRONTÓN"; el "OLYMPIA" - inaugurado el 3 de octubre de 1929, con la proyección de "Submarino" - el "CINEMA SOCIAL" y el "BETI - JAI", completaban el panorama. 
G R E T A     G A R B O   "LA   DIVINA"

viernes, 15 de noviembre de 2019

LOS "FELICES AÑOS VEINTE", EN EL CINE.PRIMERA PARTE

E D W A R D   G R I F F I T H 
S  E R G E I    M,   E I N S E N S T E I N
     LOS "FELICES  AÑOS VEINTE", EN EL CINE. (PRIMERA PARTE).



     Es imposible ignorar el efecto del cine alemán en la posguerra sobre la intelectualidad de otros países. El cine sueco, al cual pertenecía el primer maestro de la pantalla, SJOSTROM, quedó inmediatamente ensombrecido, pues era demasiado lento para los auditorios americanos. Pero en cambio, Alemania, tuvo su LUBITSCH y su "CALIGARI". Los films de LUBITSCH eran populares, y "CALIGARI", y otros, erróneamente calificados de "expresionistas", fueron  admirados desproporcionadamente en relación a su mérito; los de LUBITSCH eran históricos, los otros conectaban con el teatro y los modernos movimientos del Arte. Después de la derrota en la Guerra Mundial del 14, el Gobierno alemán perdió interés por la propaganda, pero los productores creativos habían entrevisto la ocasión de instruir e influenciar políticamente a la opinión pública, lo cual fue muy importante en el desconcertado clima postbélico de la época. Así, LUBITSCH, se lanzaba con la sátira antimilitarista , "Die bergkatze", que sin embargo fue un fracaso, pues los alemanes no estaban de humor para eso. Al  mismo tiempo, la industria cinematográfica alemana aceleraba su producción sobre temas sexuales, así como sobre las realidades de la República de Weimar, y veían la luz, "Der Reigen" (1920), con la entonces insustituible ASTA NIELSEN  y DREYER intentando el tema de la homosexualidad en "MICHAEL" (1924), tras la realización de "DIE GESETCHNETEN" (1927), dedicada  a la tolerancia de las minorías judías, como también lo haría DUPONT en "Das alte Gesetz" (1923). Pero la pieza más afectadamente artística y teatral, fuera "El Gabinete del Doctor CALIGARI", de 1920, empleando decorados y escenas abstractas como recurso, ya que había restricciones sobre la electricidad y el alumbrado, relacionándola por tanto con la cultura y la vanguardia, y como el EXPRESIONISMO era una declaración de oscuridad emocional, la película fue considerada todo eso. Pero en realidad, NO ERA EXPRESIONISMO LO QUE HABÍA EN ELLA, SINO SURREALIMO, Y ELLO, A NIVEL RUDIMENTARIO.

     Otro tema nuevo y recurrente que aparece en esa convulsa época en la que el pueblo alemán padecerá tanto las consecuencias de la pretendida "puñalada por la espalda" como gran embuste, como las derivadas de una crisis económica que sacude al país tras las reparaciones bélicas, es el del horror, presente en una fracasada "Termine", así como en "Raskolnikof", o en imitaciones de "CALIGARI", como "Torgus" (1921), o "Von Morgens bis Mitternach" (1920), que hastían al público rápidamente del Impresionismo. Mientras tanto, la industria seguirá tratando con lo grotesco y fantástico, y como la disposición del ánimo en general, tendía hacia el pesimismo, el cine atrajo a cierto número de talentos interesantes : MURNAU, con "Nosferatu"; WAGNER, con "Schatten" (1923);  LENI, en "Das Wachsenfiguren Kabinet" o "Der müde Tod" (1921), de FRITZ LANG, entre otras. LANG cosecharía éxitos como "Dr. MABUSE ADER SPIELER" (1922), en dos partes, demasiado larga para una clase de obra a la que no se concedería más de cinco minutos en televisión y sonido. Pero el éxito les hizo embarcarse en la épica : "Der Nibelungen" (1929), un film que resultó importante para animar a los novicios del partido nazi, siendo sus enormes decorados y los de "Metrópolis" (1927), los que proporcionarían la concepción del Estadio de Nuremberg, siendo así que en "Metrópolis", la dorada juventud hacía deporte en un vasto estadio y los nazis observaban con satisfacción que su loco inventor era judío, en una película de resultado final decepcionante y vacía de contenido. Nuevamente volvería el hombre que quería dominar el mundo, con "Spione" (1929), criticando las mentes directoras con palacios mazmorra, detrás de respetables fachadas de bancos, en una película con su sentido del fatalismo, de los dolores y las recompensas, anunciando ya al LANG de los últimos tiempos.

     También los films de prostitución crearían escuela, tanto como reflejo de la pobreza y la inflación galopante causando desgracia, enfermedad y muerte,  "Die Bushae von Pandora" (1928) o "Der Freudlosse Sasse", como por el contrario, mostrando con ingenio y tristeza a la mujer tratando de conservar su juventud, como en "Das Gefarhliche Alter" (1927), "Diznentragödie" , del mismo año o "Alraune", también del veintisiete, combinando el género "de la calle", con lo fantástico.

      Pero quien refleja el período con enorme precisión a través de sus películas, fue el Director ALEXANDER KORDA, un  oportunista necesario en el WEIMAR  de entonces y en la industria cinematográfica de toda la vida, sobresaliendo en su carrera "Eine DUBARRY von Heute" (1927), recordatorio de su permanente interés por los amores de los Reyes, como lo demuestra su anterior "Tragödie in Hause Hapsburg" (1924), sobre el drama MAYERLING, al tiempo que practica el melodrama en "Das Hausam Meer" (1924), contando con una técnica de lo más imaginativo. 

    En la URSS, la cinematografía oscilaría entre el montaje y el mensaje, y VLADIMIR MAIAKOWSKI, sería su principal teórico, proveniente del movimiento Futurista y quien habia realizado cortometrajes como "No se puede comprar la creación", "La señorita y el truhán" y "Aherrojado el cine", escribiendo posteriormente entre 1926 y su suicidio en 1930, algunos guiones de los que sólo dos encontrarían el camino de la pantalla. Mientras tanto, surgían los debates en la escuela Estatal de Moscú, basándose las raíces del cine soviético en la inmediatez, y lo que era más importante, el montaje. Uno de los teóricos de esta escuela sería DEIGE VERTOV, productor de "El hombre con una cámara de cine", siendo PULESCHOV, uno de los fundadores de la teoría cinematográfica, pretendiendo capta la atención del público como hacían los productores de películas hollywoodenses.

      La enseñanza de PULESCHOV y MEYRHOLD, daba sus  frutos en SERGEI  M. EINSENSTEIN, quien produjo su primera película, "La huelga" (1924), como una forma de difundir los ideales soviéticos "en pro de la dictadura del proletariado".En 1925, realizaría "El Acorazado POTEMKIN", que convierte a todos los espectadores en revolucionarios, superando las técnicas innovadoras de "La Huelga". Asimismo, en "OCTUBRE" (1928), volvió a tratar el tema de la Revolución, presentándose a veces con el subtítulo de "Los Diez Días que hicieron temblar al mundo", en un relato romántico, que en su dolor y pasión refleja el espíritu mismo de la Revolución Soviética.

     En USA, y en el año 1919, las cuatro personas más famosas del Cine, unían sus talentos para obtener unos beneficios económicos más sustanciosos: CHAPLIN, GRIFFITH, MARY PICKFORD Y DOUGLAS FAIRBANKS, inaugurando la "UNITED ARTISTS", respondida por la industria del celuloide, cerrando filas contra ellos al grito de "Los locos se han hecho cargo del manicomio". GRIFFTH, sin la presencia de LILIAN GISH, hacía películas más desfasadas y anticuadas que  nunca, retrocediendo en "América" (1924) y "La Aurora de la Vida", del mismo año, acabando su gran carrera con el fiasco de "The Strugle", tras una larga historia de fracasos. Por su parte, MARY PICKFORD, quien en su interpretación de papeles de niña adolescente, iba de la actitud de gatita ronroneante a lo grotesco, interpretaba para la U.A., "POLYANNA" (1920), dando vida, aunque ya tenía treinta años, a papeles de adolescente con edad indefinida. El público no respondió a "ROSITA" (1923), ni a "DOROTHY vernon of Haddon Hall" (1924), siendo contestada por sus admiradores en el sentido de que debiera interpretar a Cenicienta, llegando en su última película muda, "La Pequeña Vendedora" (1927), a ser una buena actriz, maravillosamente fotografiada por CHARLES ROSHER. En lo que se refiere a DOUGLAS FAIRBANKS, su vitalidad era sorprendente, en papeles de play boy básicamente decente, como en "The nut" (1921), siendo además intérprete de aventuras como "Los tres mosqueteros", en la que hacía de D'Artagnan, o "La marca del Zorro" (1920), "ROBIN HOOD" (1922) o "El ladrón de Bagdad" (1924), dentro de papeles de héroes renegados o marginados por la ley, como también lo haría en "El Pirata Negro" (1926), o "El Gaucho", de 1927. En cuanto a CHAPLIN, en 1921 cosecha un gran éxito con "The Kid", obra que se transforma inmediatamente en un clásico del cine, tomándose muy en serio la cuestión de su prestigio a través de "Vacaciones" (1921), "Día de paga" (1922), "El Peregrino", del mismo año, siendo su primera película para la UNITED ARTISTS, "Una mujer de París" (1923), pero mostrando nuevamente sus genialidades en "La quimera del Oro", de 1925, interpretando el papel de un vagabundo que se marcha al helado norte en busca del aurífero metal.

       
D O U G L A S   F A I R B A N K S

lunes, 11 de noviembre de 2019

CINEMATOGRAFÍA.- LA DÉCADA DE LOS DIEZ.

CINEMATOGRAFÍA : LA DÉCADA DE LOS DIEZ.

     
     A partir de 1911, el ya citado MAX LINDER, escribió y dirigió la mayoría de sus películas, entre las que se encuentran : "MAX est distrait" (1911) y "MAX et son chien Dick", del  mismo año; "MAX, proffesseur de tango (1912); "MAX devrait porter les bretelles", y "MAX pedicure," ambas del 15, utilizando en sus comienzos la "coda" cómica y concediendo gran importancia al gag final, como más tarde lo harían también BUSTER KEATON  y HAROLD LLOYD, llegando incluso a reconocer el inolvidable CHAPLIN, que su maestro había sido el propio LINDER.


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    Por otra parte, como FRANCIA había sido el primer país en el que el Teatro aceptó al Cine, gracias a los banqueros LAFFITE, no será extraño que sea el lugar donde vea la luz "La Dame Aux Camélies", en 1912, interpretada por la inmortal actriz dramática SARAH BERNHARDT, ya interviniente en 1908 en "TOSCA", con una forma de andar que parece torpe, a pesar de que aún no le han amputado la pierna. Le seguiría, "Les amours de la Reine Elizabeth", también en 1912, LA PELÍCULA MÁS LARGA RODADA HASTA ENTONCES, producida por LOUIS MERCANTON y HENRY DESFONTAINES, y dirigida por este último. A mayor abundamiento los propios LAFFITTE fundarían en Londres una productora para hacer la competencia a PATHÉ el cual intervendría en la creación de la "Societé Cinematographique des Auteurs et Gens de Lettres", dirigida por ALBERT CAPELLANI, quien se había inspirado en el "Théatre Libre" y en el Naturalismo preconizado por EMILE ZOLA. 

    En ITALIA, mientras tanto,  corrían tiempos de grandes avances: "La cadutta di Troia (1910), de PASTRONE; "La Sposa del Nilo" (1911), o la versión de ocho rollos de "Quo Vadis?" (1912), supeditado todo ello a lo espectacular. La prensa de New York, anunciaba su estreno en mayo de 1913, con las palabras "Dos horas y media de proyección", con un incendio de Roma realizado a base de cortinas de humo. También  en LONDRES se estrenaba el film en el ROYAL ALBERT HALL, con gran éxito. Pues bien, en el  momento en que se vio que la película iba a ser rentable, se inició la producción por parte de ITALA FILMS, de una película de diez rollos : "CABIRIA" (1914), dirigida por el propio PASTRONE, DE DURACIÓN DE TRES HORAS, con decorados que van de lo funcional y falso a lo magnífico y cuyo guión era de GABRIELLE D'ANNUNZIO, PRIMER ESCRITOR QUE COLABORÓ DIRECTAMENTE CON  EL CINE. La película representó la cúspide de la cinematografía italiana del momento, pues "MACISTE", al año siguiente, sólo era una especie de secuela. 

    LA REINA DE LAS DIVAS ITALIANAS, PASABA A SER FRANCESCA BERTINI, con la clásica postura de la vampiresa en "Serpe" (1919); tendida en un amplio diván, triunfante, la frente coronada de perlas y hombro adornado con plumas, pasaba a convertirse en el arquetipo de "femme fatal". No era una principiante, pues con anterioridad, había protagonizado "Assunta Spina", en 1915.

    ASTA  NIELSEN,  DE ORIGEN DANÉS, SERÍA LA GRAN ESTRELLA DEL CINE ALEMÁN, y sin duda, FUE LA PRIMERA ACTRIZ PREEMINENTE, ESENCIALMENTE CINEMATOGRÁFICA. APOLLINAIRE escribió de ella : "Lo es todo, la visión del borracho y el sueño del eremita" .Los filmes más representativos de su carrera, aparte de "Afgrunden", sería una nueva versión de ésta :"Die arme Jenny" (1912); "Mädchen ohne vaterland", del mismo año, o "Engelein" , también de 1912, filme por el que se la compara con MARY PICKFORD. El Cine progresaba más rápidamente en Europa que en Norteamérica, porque las grandes productoras europeas lo consideraban sobre todo como una nueva forma de expresión, mientras que los pioneros americanos veían en él una forma de hacer dinero. Pero con LOS PAÍSES EUROPEOS SUMIDOS EN EL APOCALIPSIS, NORTEAMÉRICA PUDO PONERSE A LA CABEZA DE LA PRODUCCIÓN CINEMATOGRÁFICA, posición que conserva hasta el presente. 

      HOLLYWOOD entraba en escena tras la promoción por parte, tanto de la empresa I.M.P., como de LAEMLE, de dos fantasías permanentes : el universal barrio de LOS ÁNGELES, y el propio sistema del "Estrellato" norteamericano : FLORENCE LAWRENCE, FUE LA PRIMERA "ESTRELLA", es decir, la primera actriz que pudo conseguir que su nombre apareciera en los créditos de las películas, el año 1910. Hasta entonces, las productoras se habían negado a que actores y actrices fueran conocidos del gran público. Evitaban así las exigencias económicas que caras populares, respaldadas por sus admiradores, podrían exigir. Otro tanto ocurriría con la conocida "Familia Real de BROADWAY", o sea, LIONEL, ETHEL y JOHN BARRYMORE, de gran popularidad que descendió con la llegada del sonoro.  

       En este contexto, D. W. GRIFFITH (1875 - 1948), dominó la industria cinematográfica norteamericana durante la segunda década del siglo. De él se ha dicho que era un innovador, idea promocionada por él mismo. Como sus novedades introducidas, figuran : el uso de tomas de figuras en primeros planos agrandados, las vistas de lejos, el salto atrás, el "suspense" mantenido, la desaparición gradual de la imagen y la sobriedad en la expresión, así como el realce de la actuación de los protagonistas hasta conseguir que al Cine se le reconociera como AUTÉNTICO ARTE. JAMES CARD, por su parte, archivero de la casa EASTMAN, y el hombre que quizá haya visto más películas antiguas en el mundo, cree que la reputación de GRIFFITH comenzó con los anuncios que él mismo hizo publicar en la prensa dedicada al cine. GRIFFITH, con su obra "The birth of a nation" (El Nacimiento de una Nación"), (1915), primera vez en la historia del cine americano en la que un cineasta pensaba y actuaba a lo grande y se encontraba recompensado adecuadamente, convertía el film en un éxito y un jalón a lo largo de muchos años, aún cuando hoy en día no tenga ningún valor como espectáculo. El segundo superfilm sería "Intolerance", obra de tres horas de duración, conjuntando cuatro historias. La enorme popularidad de esta película, permitió que en aún en 1973, fuese votada como la segunda mejor película norteamericana.

       THOMAS INCE, formó con GRIFFITH la pareja de directores de películas no cómicas más importante de aquellos años. Comenzó a hacer cine en 1910, y dirigió "Civilization", rodada en pleno conflicto  de la Primera Guerra Mundial, en 1916, con una intención claramente pacifista. La historia en su desarrollo resulta ser sorprendentemente impactante. A pesar de ello, en seguida se aburrió y pasó a ser supervisor de producción. A él se deberá el sistema que divide el trabajo de una película entre dos hombres : el Director y el Productor.

       Dentro del campo de la comicidad, entre los Diez y los Veinte, ROSCOE "FATTY" ARBUCKLE, "Gordo", fue quien consiguió mayor aceptación entre los niños, lo que le permitió, a principios de los Años Veinte, firmar un contrato de tres millones de dólares. BEN TURPI, sería otro de los actores cómicos, cuya comicidad derivaría de su estrabismo. Él lo sabía y eso le llevó a asegurar sus ojos en medio millón de dólares. También las improvisaciones cómicas de MAX SENNET, que fue quien trajo a CHAPLIN al mundo del cine, lo convierte en el astro más popular tras el propio CHARLOT, interviniendo en películas como "Tillie'es puntured romance" (1914), "His new job" (1915), y otras. Por su parte, el caso de CHAPLIN comienza con "A nigth in the show" (1915), seguida de "The count" (1916), o "El vagabundo", en el mismo año. Asimismo, "The pawnshop", y su PRIMERA OBRA MAESTRA, "Easy Street" (1917), o "The inmigrant" y "The adventurer", también del 17..  

       En otro orden de cosas, MARY PICKFORD, con su imagen tradicional - vestidito de percal y rizos dorados - era tranquilizante en una época en que las mujeres se declaraban iguales a los hombres, lo cual puede ser razón suficiente para justificar y entender el motivo por el que esta actriz  FUERA LA MÁS FAMOSA QUE HA EXISTIDO. Sus pretensiones económicas, eran realmente astronómicas, pero siempre satisfechas por un ZUKOR rezongón. El público manifestaba su preferencia por las películas en que interpretaba el papel de niña :"The pooz little rich girl" (1917) , "Rebecca of sunny brook farm", del mismo año, o "Stella Maris" de 1918. Films como "The Little American", LA CONVIRTIERON EN LA LLAMADA  "NOVIA DE AMÉRICA". Añadir que en esta época aparecieron los grandes estudios : LA METRO GOLDWIN MAYER, creada por MARCUS LOEW, quien compra la METRO, la GOLDWIN y la LOUIS B. MAYER;  la PARAMOUNT nacida gracias a los esfuerzos de ZUKOR: la TWIENTIETH CENTURY FOX,  fundada por WILLIAM FOX en 1915:  la UNIVERSAL, que debe su existencia a LAEMLE, un potente exhibidor, y finalmente, los WARNER que crearon  la WARNER BROTHERS. 

       En LOGROÑO, reseñar, entre los avatares y acontecimientos más significativos relacionados con el Séptimo arte, los siguientes : en 1911, ardía el cine Ex - PARRUSINI instalado con motivo de las fiestas de San Bernabé. Aparecía el primer "cine estable": el "SALON DORÉ"(1912), al cual seguirían el "BETI JAI", el "FRONTÓN CINEMA" y el "CINE SOCIAL", instalado en lo que actualmente es la Sala GONZALO DE BERCEO. El "Salón DORÉ" , se situaría en la planta baja del número 15 de la calle Once de Junio, junto al Banco de España de entonces. La tiple del NOVELTY, MARIQUITA GURGUI, con la ayuda de ANICETO BERNEDO, invirtió su dinero para proporcionarse una nueva forma de sobrevivir. Pero el fracaso de los "cines estables" en la capital  riojana, se pondría pronto de manifiesto, pues a los cinco meses tuvo que cerrar.  El 18 de septiembre de 1913, se estrenaba el "Teatro MODERNO", y se presentaba la película "¿Quo Vadis? en el "BETI JAI".Y en 1917, DANIEL TREVIJANO se adjudicaba el TEATRO BRETÓN.
M A R Y     P I C K F O R D
F A T T Y    R O S C O E   A R B U C K L E


miércoles, 6 de noviembre de 2019

CINEMATOGRAFÍA 1 9 0 0 - 1 9 1 0.

CINEMATOGRAFÍA  AÑOS 1900 - 1910  



       A principios de siglo, GEORGE MÉLIÉS,  prosiguiendo con su afán de experimentación, rodaría "Nouvelles luttes extravagantes" (1900), en la que las luchadoras se convierten en luchadores y la continua mutación de sexos se acompañaba con múltiples desmembramientos; también en ese año realizaría "L´ homme orchestre", en la que los hombres y las sillas se multiplican o desaparecen mágicamente; asimismo, "Le chaudron infernel" de 1903, en la que unos fantasmas bailan en la parte superior de la pantalla, sin olvidar "L`homme á la tête de cautchoue", en la que una cabeza se agranda y achica "gracias a una curiosa sobreimpresión  y al avance y al retroceso de la cámara".

    Sin embargo, sus temas favoritos le llevarían a las obras de su contemporáneo JULES VERNE : "Voyage dans la lune", en 1902, o "Cendrillon", rodada en 1900, películas que le encumbraron, lo mismo que la entusiásticamente recibida "Voyage á Travers l'impossible", de 1904. Sin embargo, sus trucos raros e imaginativos y los detalles sorprendentes de los temas cortos, tienden a aburrir cuando la película se alarga a veinte minutos. Por el contrario, la "planificación", es decir, el sentido de "continuidad narrativa", es lo más valioso que ha aportado al cine.

    También a principios de siglo, y prosiguiendo con los precursores, el anteriormente citado GEORGE ALBERT SMITH, continuaba con sus experiencias "sexuales" : "Let me drean again",rodada en 1900, presentando a un hombre maduro que bebe y fuma con una señorita, pero cuando se inclina para besarla, se encuentra que está en la cama con su esposa; "Things seen a trough a telescope", en el mismo año, que incluye a una pareja besándose y a una mujer desnudándose, es decir, escenas semejantes a las vistas a través de un ojo de cerradura en "Pepping Tom" (1901). También se advierte el deseo de que el público acepte los primeros planos mediante la sugestión de que está viendo algo  ampliado por medios mecánicos. Asimismo se intercalan primeros planos en pequeñas e inocentes piezas cómicas como "Grandina's Reading glass", de 1900; "The Little doctor and the kitten", del mismo año, por no mencionar "Mary Jane's mishap or Don't fool with the paraffin", en la que una criada desmañada vuela por los aires para reaparecer finalmente como un fantasma con una lata de nafta en la mano.

     La productora inglesa HEPWORTH, realiza películas como "How it feels to be run over", en 1900; "The Jonah man or the traveller bewitchted", en 1904, con desapariciones de abrigos, tranvías y trenes, así como "Wath the curate really did", del 1905, en la que las aventuras de un clérigo aparecen sobreimpresionadas a un grupo de damas chismosas. Por su parte, JAMES WILLIAMSON, realizaría "An interesting story" , en 1904, en la que un hombre enfrascado en la lecura provoca diversas desgracias, incluído un desmembramiento.  

      Hacia 1902, los pioneros ingleses, son los más innovadores, pero al año siguiente fueron sobrepasados por los franceses, principalmente gracias a la iniciativa de los Hermanos PATHÉ : CHARLES PATHÉ, quien llegó a afirmar que aunque no era el inventor del cine sí era su industrializador, dejó el negocio de fonógrafos con el que se había enriquecido en manos de su hermano EMILE en 1901, y abrió un estudio de cine en VINCENNES. Al año siguiente fundó una sucursal en Londres y en 1908 controlaba la mitad del negocio cinematográfico de América. PATHÉ tendría la pupila de encargar la producción continuada de películas a FERDINAND  ZECCA, un compañero de trabajo en las ferias y antiguo comentarista de los filmes de PATHÉ. ZECCA, no sólo se apropió de las ideas e innovaciones de sus contemporáneos, sino que duplicó la mayoría de las películas de GEORGE ALBERT SMITH. Desechó el efecto de proscenio y el campo narrativo se hizo más amplio; hizo  la primera película francesa de crímenes "'Histoire d'un crime" (1901), y la primera de tema religioso, "Passion de Nôtre Seigneur", en 1902; también produjo un "¿Quo Vadis?", en el mismo 1901, y un "Ali Babá et les quarante voleurs", en 1902, así como "La conquête de l'air", también en 1901.  Aunque tuvo títulos de mayor enjundia, "Las vitimes de l'alcoolisme" (1902), "La Grêve" (1904), etc., acabó inclinándose de manera fundamental hacia lo fantástico, como "Marionetten" (1904), "Japonissaire", del mismo año, "L'ingenieuse soubrette" (1902), en la que la protagonista camina por las paredes; "Rêve á la lune" (1905), en la que un borracho ve botellas de champán que bailan, y "Aladín", en la que ocurren transformaciones milagrosas y aparecen caras en los vasos, dentro de la idea dominante del propio ZECCA, quien, como MÉLIÉS, creía que al cine le iba lo fantástico.

       Con MÉLIÉS el Cine se convirtió en Arte, pero con el montaje comenzó el verdadero arte del Cine, al tiempo que el público comenzaba a cansarse de los trucos de magia y prefería los filmes narrativos. La primera película montada, es posible que fuera "Fire!" (1901), realizada en Inglaterra por JAMES WILLIAMSON, que aunque cuenta con el precedente de "Fire call and free escape", de WARWICK, es más larga y elaborada. Cada escena depende de la anterior, cosa que no ocurre con MÉLIÉS. También "A daring dayligth robbery", de 1903, de FRANK MOTTERSHAW, es extremadamente elaborada, lo cual demostraba que tanto WILLIAMSON como MOTTERSHAW, habían comprendido que si una narración se podía construir con trozos de película, lo lógico sería decidir de antemano todo lo que sería necesario, aparte del atrezzo. Nacería de esta manera, si no el guión, sí el plan de rodaje.  

      En Francia, siguiendo la pauta de la "Belle Époque", el Cine se inclinó por la frivolidad, y en 1908, la PATHÉ  contrató al artista de variedades ANDRÉ DEED para una serie de películas cómicas que lo convirtieron en el primer actor conocido por el gran público. Francia, además, elevó la comedia a la categoría de Arte, produciéndose millares de comedias de persecución, haciendo en una de ellas su presentación EL PRIMER GRAN ACTOR CINEMATOGRÁFICO, MAX LINDER (1883 - 1925), que aunque había actuado de intérprete de "Boulevard", tardó aún algún tiempo en crear un personaje de sedosa chistera. LINDER  descubrió que cuanto más alta era la clase social del personaje, más dura era su caída, por lo que enseguida convirtió a su tipo en un hombre de mundo impecablemente vestido. A los tres años de su presentación, casi todos los títulos de sus películas incluían su nombre, lo que prueba que fue EL PRIMER ACTOR QUE ATRAJO AL PÚBLICO POR SÍ MISMO".

      En Italia, la primera productora de importancia que se organizó, fue la fundada en Turín por ARTURO AMBROSIO, del cual tomó el nombre, aunque el pionero del cine italiano fuera FILOTEO ALBERINI, quien se puso a la cabeza de la industria cuando su productora, "Cines", realizó el primer filme espectacular :"Il Sacco di Roma", en 1905. AMBROSIO le respondió con su "Marcus Lycinnius", en 1907. En ese mismo año, CESARINI produjo "Otello", "Catalina", "Mc Beth", "Siegfried", "Parsifal" y dos versiones de la novela de BULWER LYTTON, "Gli ultimi giorni di Pompei" (1908 y 1913). También fueron manoseados el DANTE y los héroes griegos, siendo la película de dos rollos, "L'Inferno" (1909), dirigida por GIUSSEPPE DE LIGUORO, especialmente ambiciosa. DE LIGUORO era un aristócrata que dirigía su propia productora, "Milano", y cuya superioridad fue reconocida por todos sus contemporáneos. "L'Ìnferno", supuso un tremendo esfuerzo de preparación, pues sus exteriores van desde el mar hasta la montaña, y el infierno está representado imaginativamente  mediante múltiples trucos al estilo MÉLIÉS, y centenares de hombres que aparecen desnudos.

     Mientras tanto, las mejores películas se producían en Dinamarca. El hecho de que los filmes de dos rollos se adaptaran en Europa antes que en América, se debe al éxito de dos películas danesas : "Afgrunden" y "La trata de blancas", ambas relacionadas con el sexo. PERO EL PRIMER FILM DANÉS DE FAMA MUNDIAL FUE "LA CAZA DEL LEÓN" (1907), del que se vendieron 259 copias. Su productora fue la NORDISK FILM, compañía fundada por OLE OLSEN, propietario de un parque de atracciones; su Director, VIGO LARSEN,  había hecho de "gancho" a la puerta de uno de los nickelodeones, y la fotografía se debe a AXEL SORENSEN, su antiguo mecánico de máquinas de feria.

   En lo que respecta a Norteamérica, todo comienza en 1905, cuando las películas dejan de proyectarse en galerías comerciales y en las trastiendas de bares y cafés cantantes, para rodearse de un ambiente distinto : unos centros de distribución compraban los films a las productoras y los alquilaban después a los exhibidores por una cuarta parte del precio de compra. La primera de estas empresas la inició un camarógrafo, HARRY J. MILES,  en 1903, y al cabo de cuatro años ya había más de cien en todo el país. La sala considerada como el primer cinematógrafo de los Estados Unidos, fue inaugurada en Pittsburg por JOHN F. HARRIS junto a su cuñado HARRY DAVIS. Éste acuñó para el local el nombre de "nickelodeon" , dando a entender tanto lo económico de la localidad , como sus aspiraciones de que se rindiera un merecido respeto a la sala. Para ello convirtieron un local comercial en desuso, con decoraciones propias de las representaciones de ópera, en una sala de proyecciones cinematográficas (la película del estreno fue "The great train robbery". Tres años después, ya había diez mil nickelodeones en USA - una de las primeras en New York fue la sala WACO, asentada en un antiguo teatro - y su programación consistía en un melodrama, una comedia y una novedad cualquiera, cada una de ellas con una duración de un rollo tan sólo. Un pianista, situado en el foso del local, acompañaba el pase de las películas, y también algunas veces, un cantante dirigía a la masa coral de los espectadores durante los intermedios. En los vestíbulos se pregonaban las "palomitas de maíz", los caramelos y los cacahuetes. En determinados momentos el precio de la localidad podía también incluir la entrega de una naranja o una manzana cubierta de caramelo, y en los malos tiempos, la entrada podía pagarse con una cantidad simbólica o con artículo de bajo coste, como por ejemplo, un tarro de compota.  Los vestíbulos, cubiertos con carteles publicitarios, eran auténticos refugios donde se ofrecía el más sencillo pero espectacular de los entretenimientos. Pero al principio no fueron refugios elegantes. De forma inevitable se despertó un sentimiento de hostilidad ante una diversión apoyada con tanto entusiasmo por la gente humilde y sencilla; los editoriales de los periódicos tronaron contra la "inmoralidad" que se podía presenciar en los "nickelodeones" Pero los agitadores más vocingleros fueron los que sintieron la mordedura, es decir, los propietarios de los "Cafés - cantantes", los empresarios de vodevil y los clérigos. Para ello, en 1909 nació la Jiunta de Censores de Películas, creada por el Instituto del Pueblo de New York en unión de la Compañía de Patentes de Películas, aunque no llegó a ser verdaderamente eficaz pues nunca llegó a abarcar el conjunto de productoras de películas. Por otra parte, en esta década, y más concretamente  el 27 de noviembre de 1903, una pareja de puritanos de Texas, HORACIO HENDERSON WILCOX y su esposa, se establecieron en la periferia de Los Ángeles. Era un terreno de tierra negra, con bosque de acebo (en inglés, HOLLYWOOD). Cuatro meses después, llegaban los primeros cineastas procedentes de Chicago. En 1906, ya estaban allí los grandes del Cine. También en esta época se produciría el inicio de lo que más tarde se convertiría en el fulgurante éxito de los "WESTERNS". El nombre más destacado sería GILBERT M. ANDERSON (1883 - 1971), nacido MAX AARONSON y conocido como "BRONCHO BILLY". A ,los diecisiete años, tras ser un chico repartidor de periódicos, comenzó a actuar en un escenario y justo tres años después, inició su carrera en el Cine en "The great train robbery". En 1907, junto a GEORGE F. SIBOR, fundó la ESSANAY S.A., que comenzó a producir la serie de BRONCHO con la primera película, "BRONCHO BILLY and the baby" (1908), basada en un argumento teatral utilizado numerosas veces, "Three goldfathers". El western empezó con los populares melodramas del Oeste, y las primera películas de BRONCHO BILLY fueron tanto comedias familiares como westerns.

        No podemos dejar la década sin mencionar a ciertos plagiarios notables como EDWIN S. PORTER (1869 - 1941), proyeccionista convertido en camarógrafo y que llegó a jefe de producción de la EDISON, distribuidor por aquel entonces de las películas de MÉLIÉS. Está generalmente admitido que cuando PORTER  dirigió "The life of an american foreman" (1903),  tenía muy presente "Fire", pero para aumentar el interés del público, muestra a una mujer y a un  niño en peligro, saltando luego a un coche de bomberos a galope. Sin embargo no utiliza esta nueva técnica de forma original, y aunque en "The great train robbery", primer western filmado, salta desde un salón de baile a la cabina de telégrafos y de allí a la fuga de los ladrones, nuca vuelve de perseguidor a perseguido. La película, aunque basada en un hecho real, debe su existencia a "A daring dayligth robbery", película que la distribuidora  EDISON había lanzado unos meses antes. A mayor abundamiento, PORTER  había dirigido una versión de "The uncle Tom's cabin" (1903), la película más costosa producida hasta entonces en USA, realizada con el estudio de las clásicas : es decir, como cuadros plásticos animados. El público se volvió loco con "The great train robbery", ampliamente copiada e imitada hasta convertirse en la principal atracción de todos los "nickelodeones". En Inglaterra, la influencia tardó en dejarse sentir, aunque "Raid on a coiners den" (1904), resulte más elaborada que los cortometrajes que la precedieron.  Otros célebres plagiarios fueron CECIL HEPWORTH, autor de "Rescued by rover" (1905), inspirada en "The lostchild", de la misma manera que la versión de "Rescued by rover" de MC CUTCHEON, realizada para BIOGRAPH, titulada "Her first adventure", es un plagio hasta la escena final : un primer plano del perro y SHEFFIELD, quien produjo "The life of CHARLES PEACE" (1905), plagiando a PORTER y la propia versión de "A daring dayligth robbery". Todo lo anterior era cosecuencia de que en aquel momento no había ninguna ley que regulara la posesión de las películas o del material cinematográfico.

viernes, 18 de octubre de 2019

EL SÉPTIMO ARTE, 1896 - 1996. INICIOS CEL CINE 1896 - 1900)

G E O R G E   M É L I É S
   EL SÉPTIMO ARTE, 1896 - 1996. INICIOS DEL CINE. (1895 - 1900)


   El Cine nació en Paris, una tarde del 28 de diciembre de 1895, en el sótano de un café del Boulevard des Capucines, aunque previamente hubiera pioneros del que más adelante se conocería como el "Séptimo Arte", como EADWEARD MUYBRIDGE, quien - en 1873 - hiciera fotografías del galope de un famoso caballo de carreras. o THOMAS ALBA EDISON, con su ayudante W.K.L. DICKSON, produjera secuencias de imágenes usando los nuevos carretes de películas EASTMAN y patentando a su nombre el "kinetoscope".

   Los prolegómenos comienzan el 13 de febrero de ese mismo año de 1895, cuando los hermanos AUGUST y LOUIS LUMIÉRE patentaban un "appareil servant á l'obtention et á la visión des épreuves photographiques", o, dicho de otra manera, un proyector. El 10 de marzo bautizan su invención como "CINEMATÓGRAFO", y el 22 de ese mismo mes, registraban en el número 44 de la Rue des Rennes de París, su primera película, "Sortie des ouvriers de l'usine LUMIÉRE". Habiendo alquilado durante el mes de diciembre el "Salon Indien" del Grand Café, colocaron carteles en el número 14 del ya citado Boulevard des Capucines para anunciar el espectáculo, siendo de esta manera, "La sortie des ouvriers…" la primera película que se exhibió públicamente. A ella le siguieron otros cortometrajes tales como "Le goûter de Bebé", "La demolition d'un mur". "L'arrosant arrosé", y la más sensacional, "L'arrivé d'un train en Gare de la Ciotat". En Logroño, el ahora conocido como Teatro Bretón de los Herreros,  - entonces Teatro Principal - , proyectaba las primeras películas de los Hermanos, en una sesión que tuviera lugar el 18 de noviembre de 1896. 


   En esta época las películas comienzan a verse más bien proyectadas que a través de peepshows - tragaperras con ranura visual, aparatos poco rentables y engorrosos, pues sólo podía usarlos una persona cada vez - y en seguida se hicieron populares en los cafés - conciertos y en reuniones parroquiales. De tal forma, que en 1897, los tan citados Hermanos LUMIÉRE, habían inaugurado en París un edificio para exhibir exclusivamente películas, comenzando a morir el "peepshow", y convirtiéndose de esta manera muchos almacenes y teatros en cines.

    LOUIS y AUGUSTE continuaron rodando cintas de uno a tres minutos de duración, que pretendían, según sus propias palabras, "captar la naturaleza en vivo". Sus películas oscilan entre el documental, las actualidades, las escenas de género y el cine cómico, aunque de hecho, en su catálogo figuran incluso, ambiciosas obras de reconstrucción histórica, como por ejemplo, una Pasión de Cristo que fue rodada en 1897.

     Asimismo impartirían cursillos acelerados a operadores - proyeccionistas como EUGÉNE PROMIO, FÉLIX MESGUICH, FRANCOISE DOUBLIER y muchos otros, que posteriormente viajarían con el invento hasta los lugares más remotos del Globo, y llevarían a París imágenes exóticas de los cinco continentes. Será precisamente PROMIO quien, en 1896, realice el primer "travelling" de la historia del Cine, filmado a bordo de una góndola en Venecia. 

      El nuevo entretenimiento obtiene el mismo éxito comercial arrollador tanto en las barracas de feria en los teatros y en los "music - halls", como en los palacios de los Soberanos (el 12 de junio de 1896, PROMIO presenta el cinematógrafo LUMIÉRE ante la Reina Regente de España, quien manifestaría públicamente su entusiasmo).

      En 1898, LOUIS LUMIÉRE prepara su cinematógrafo para proyección sobre pantalla gigante (16 x 21 metros), y con películas de 70 mm., que será exhibida por primera vez dos años más tarde en la Exposición Universal, celebrada en París.

       A pesar de todo ello, los LUMIÉRE, que siempre habían concebido el Cinematógrafo como un invento al servicio de la ciencia y la exploración de la realidad y no como una atracción de masas, pronto acaban cansándose del invento, y en 1905, abandonan definitivamente la venta y producción de películas.

       Mientras tanto, en Norteamérica, al ser el precio de las entradas de un nickel, (cinco centavos), se dio origen a la denominación de nickelodeón, por la que fueron conocidos tanto los locales provisionales de proyección, como los expresamente construidos para este fin concreto.

       Pero la películas continuaban siendo muy elementales, y quien acabó convirtiendo el Cine en Arte tras las primeras "Views", "Vaudeville Acts" y "News events", fue un francés : GEORGE MÉLIÉS, nacido en París el 8 de diciembre de 1861, pues mientras los LUMIÉRE fotografiaban la naturaleza, MÉLIÉS fotografiaba reconstrucciones de la vida. Cuando este personaje que había sido actor, diseñador, mago y en aquel momento Director del Teatro ROBERT HOUDIN, acudió al Salon Indien, había cumplido treinta y cuatro años y el espectáculo la cambió la vida : compró una cámara en Londres y en 1896 exhibió su primera película - los LUMIÉRE  se negaron a prestarle o alquilarle su equipo con la célebre frase : "De  ninguna manera. El Cinematógrafo no está en venta. En el fondo les hago un favor, YA QUE ÉSTE ES UN INVENTO SIN FUTURO" - construyó los primeros estudios de Europa en Montreuil  sous - Bois, y produjo , según unos, "L'escomptage d'une dame"...según otros, "Partida de naipes".

       En "L'escomptage…" (1896), una mujer se convertía temporalmente en esqueleto, y se pasaba de "fotografiar todo lo que se mueve", a experimentar con todo : "El regador" (1896); "Niña en  un  café" (1897), "El proceso DREYFUSS" (1899), tocando todos los géneros, desde el fantástico - que fue su verdadera especialidad - al documental "natural", el cine erótico, la comedia cómica, el film religioso, e incluso el musical, descubriendo en 1896 el primer truco cinematográfico : el de "sustitución", cuando, rodando en plan documental en la Plaza de la Ópera parisiense, el motor de  la cámara se detiene repentinamente por unos breves momentos. Cuando vuelve a funcionar y sin haber cambiado el emplazamiento, se descubre  - al efectuar el revelado del material - que lo que era el ómnibus de la línea Madeleine - Bastille, se transforma en un  carruaje fúnebre y que los hombres se travisten de mujeres y viceversa. Asimismo, la sobreimpresión, los "Cachés", el coloreado a mano de las películas y el "primer plano", son algunas de las innovaciones que él introduce.

     En 1898, MÉLIÉS es el primero en realizar películas publicitarias - Harinas NESTLÉ, por ejemplo - para otras compañías y también el primero en prestar su nombre con fines de difusión a películas producidas por otros. Un discípulo aventajado suyo, fue GEORGE ALBERT SMITH caracterizado por un liberal empleo de los primeros planos , quien patentaría en 1899 la doble exposición en Cinematografía, demostrando a través de sus películas su afición a los trucos, convirtiendo su cinta  "The Kiss in the Tunel" (1898), en el primer ejemplo conocido de un montaje de acción sin títulos intercalados : enmarcada entre dos tomas de un tren, una pareja se besa en un departamento; es porque en el beso hay sensualidad  - a pesar de que "The Kiss" tiene su precedente en "El Beso" entre MAY ERWIN y JOHN C. RICE, de EDISON (1895) - por  lo que SMITH puede haber sido o considerado un  pionero del sexo en el cine.



                 
                          H E R M A N O S    L U M I É R E
T E A T R O   P R I N C I P A L   D E   L O G R O Ñ O